Tout au long de ma vie, ma grand-mère a été une force directrice, façonnant profondément mon parcours personnel et professionnel. Dès mes plus jeunes années, elle a été bien plus qu’un membre de la famille ; elle était une mentore, une conteuse et une source d’inspiration inépuisable. Son influence se reflète dans mon œuvre, notamment à travers une pièce qui rend hommage à sa mémoire et aux moments précieux que nous avons partagés.

La Vierge en Fleurs : Un Hommage en Peinture

Ma peinture, « La Vierge en Fleurs », réalisée en novembre 2015, capte l’essence des histoires racontées par ma grand-mère ainsi que la profonde connexion que nous avions. Cette œuvre représente une femme entourée de fleurs vibrantes, peinte dans un style occidental. L’inspiration de cette peinture provient d’un conte de mon enfance, raconté par ma grand-mère, sur deux sœurs ayant vécu dans notre village. L’une des sœurs, Phool Kumari, dont le nom signifie « Princesse des Fleurs », m’a particulièrement marqué. Son caractère et l’imagerie florale associée ont constitué le fondement de cette œuvre.

Dans les sagas mythologiques, les femmes représentent souvent à la fois la bonté nourricière et la puissance formidable. Elles sont les gardiennes de la vie et de l’harmonie, symbolisant à la fois la beauté et la force. À travers cette peinture, j’ai voulu capturer ces deux aspects, en les intégrant dans une approche artistique occidentale tout en honorant les racines orientales du conte.

Un Jardin de Souvenirs : La Symbolique des Fleurs

Les fleurs occupent une place spéciale dans mon cœur, principalement en raison du temps que j’ai passé à jardiner avec ma grand-mère. Notre maison de village possédait un grand jardin où nous plantions et entretenions une multitude de fleurs. Son amour pour le jardinage était contagieux, et le temps passé parmi les fleurs est devenu un souvenir précieux de mon enfance.

Après son décès en 2018, un symbole durable de sa présence est resté : la fleur Jungle Flame que nous avions plantée ensemble. Cette plante, résistante et magnifique, a continué à prospérer et à fleurir, nous rappelant son esprit persistant. Les fleurs vibrantes qu’elle produit sont comme un rappel quotidien de son amour et de sa présence, et elles continuent d’apporter de la beauté dans nos vies.

Traverser les Continents : Un Hommage Poétique

Lorsque j’ai déménagé en France, la distance avec ma patrie et ma famille a laissé un vide difficile à combler. L’absence de ma grand-mère était profondément ressentie, et sa mémoire est devenue encore plus précieuse. Début 2020, j’ai participé à un atelier d’écriture avec le poète français Guy Boley à l’ISBA et à la Citadelle de Besançon. L’atelier nous a conduits à écrire des poèmes reflétant nos expériences et émotions personnelles. Dans un moment de réflexion, j’ai rédigé un poème qui capture l’essence de mon désir profond pour ma grand-mère et notre ancienne maison.

« Il était une fois une porte »

Il était une fois
Elle a ouvert la porte
Les deux mains tremblaient
Elle avait peur, si quelqu’un la voir
Elle s’est arrêtée pour sa maison.

Il était une fois
Elle est sortie de la maison
Les pieds tremblaient
Elle avait peur si quelqu’un l’attrape
Elle s’est arrêtée pour ses enfants.

Il était une fois
Elle a marché toute seule dans la forêt
Le corps tremblant
Elle avait peur de se perdre
Elle s’est arrêtée pour sa famille.

Il était une fois
Elle a voulu voler
Le cœur tremblant
Elle avait peur de tomber
Un jour, elle est partie secrètement
Elle est partie pour toujours
Elle a vu sa maison, ses enfants, sa famille du ciel.

Ce poème reflète le profond sentiment de perte que j’ai ressenti et ma connexion profonde avec la maison et la famille qui ont défini mon enfance. Ma grand-mère était comme un foyer pour moi, incarnant la chaleur et le confort des matins passés ensemble. Elle se levait avant l’aube pour préparer le thé et ouvrir la porte afin de laisser entrer l’air frais et la lumière du soleil, créant un espace sacré de paix et de chaleur qui me manque énormément.

L’Héritage Qui Se Poursuit

À travers « La Vierge en Fleurs » et le poème que j’ai écrit, je m’efforce d’honorer la mémoire de ma grand-mère et l’impact significatif qu’elle a eu sur ma vie. Chaque coup de pinceau et chaque mot sont un hommage aux histoires qu’elle a partagées, à l’amour qu’elle a donné et à la présence persistante qu’elle garde dans mon cœur. Mon art et mon écriture ne sont pas seulement des expressions de mon parcours personnel, mais aussi un moyen de garder son esprit vivant, en comblant le fossé entre notre passé et notre présent, et en veillant à ce que son héritage continue de fleurir sur la toile de ma vie.

En tant que Bangladais, ma connexion avec les bateaux et les rivières est profondément ancrée dans mon identité. Le Bangladesh, avec son dédale de rivières—plus de 700 selon certaines sources historiques—a nourri une culture où les bateaux ne sont pas seulement un moyen de transport, mais un symbole de vie, de tradition, et de survie. Ces rivières, aux noms aussi poétiques que leurs eaux mouvantes, ont façonné notre terre et notre peuple. Les bateaux, nommés avec autant de soin et de poésie, sont bien plus que de simples embarcations—ils font partie de notre âme collective.

La Barque Lune : Un Symbole du Patrimoine Naval de Chittagong

Parmi la multitude de types de bateaux qui ont sillonné nos rivières et nos mers, la Barque Lune occupe une place particulière dans mon cœur, surtout en raison de son origine dans ma ville natale, Chittagong. La Barque Lune, avec sa forme élégante en croissant, est bien plus qu’un simple bateau de pêche; elle reflète le rythme de la vie au bord du golfe du Bengale. Ces bateaux, conçus pour affronter les vagues impétueuses de la mer profonde et les voyages vers les îles, incarnent la résilience et l’ingéniosité des pêcheurs locaux. La beauté de leur design, à la fois fonctionnel et artistique, m’a inspiré à explorer ce motif dans mon travail artistique à travers divers médiums—dessin, peinture, gravure sur linoléum, et plus encore.

Yves Marre et son Inoubliable Contribution

Ma fascination pour les bateaux a pris une tournure profonde lorsque j’ai lu pour la première fois, à l’âge de dix ans, un article sur Yves Marre et son travail extraordinaire au Bangladesh. L’histoire de son périple en barge fluviale depuis la France jusqu’au Bangladesh, transformée par la suite en hôpital flottant « Friendship« , m’a laissé une impression durable. C’était un acte de générosité et d’innovation qui reflétait l’esprit même de mon pays—un lieu où l’eau, bien qu’étant une source de vie, peut aussi être une source de difficultés.

En 2017, alors étudiant à l’Alliance Française, j’ai eu la chance incroyable de rencontrer Yves Marre en personne. J’ai lu un passage lors du lancement de son livre, un moment qui a lié mon admiration d’enfant à mes aspirations d’adulte. Yves Marre n’est pas seulement un philanthrope; c’est une âme bienveillante dont le travail pour préserver le patrimoine naval du Bangladesh et fournir des soins de santé aux communautés fluviales les plus isolées est tout simplement inspirant. Notre amitié continue est un trésor pour moi, et son influence est une source de lumière dans mon propre parcours artistique.

Préserver la Barque Lune : Un Patrimoine en Péril

La Barque Lune, comme l’a dit Yves Marre lui-même, est l’un des bateaux les plus remarquables et typiques du golfe du Bengale. Cependant, comme beaucoup d’artisanats traditionnels, l’art de construire ces bateaux risque de disparaître. En 2013, grâce aux efforts conjoints de Watever, du chantier naval TaraTari et de l’agence photo Zeppelin, un projet a été lancé pour préserver les connaissances et techniques de construction des Barques Lune. Cinq charpentiers qualifiés de Cox’s Bazar ont été invités au chantier naval TaraTari, où leur savoir-faire a été méticuleusement documenté. Cet effort de préservation garantit que les générations futures pourront continuer à construire ces magnifiques embarcations, maintenant ainsi la tradition vivante.

Depuis 2014, la Barque Lune est présentée en France dans le cadre d’efforts visant à mettre en valeur le riche patrimoine naval du Bangladesh. Cette reconnaissance internationale de nos bateaux traditionnels n’est pas seulement une reconnaissance de leur design unique, mais aussi un hommage à leur signification culturelle profonde.

Yves Marre disait à propos du moon boat : « Ce bateau, dont la beauté n’a d’égale que sa rareté, est l’un des plus remarquables et des plus typiques du golfe du Bengale ».

Les Bateaux dans Mon Art : Une Exploration Continue

Dans mon travail artistique, la Barque Lune est plus qu’un simple sujet; elle est un symbole de connexion à ma patrie, aux rivières qui la traversent, et aux personnes qui ont vécu au fil de l’eau pendant des siècles. Mes représentations de la Barque Lune sous diverses formes artistiques sont un hommage à ce patrimoine, une manière de garder vivants les récits de nos rivières et de nos bateaux dans un monde en perpétuel changement.

Les rivières du Bangladesh ne sont pas de simples caractéristiques géographiques; elles sont le cœur battant de notre nation. Les bateaux qui les naviguent ne sont pas de simples outils mais des vecteurs de culture, d’histoire et d’identité. À travers mon art, j’espère transmettre l’importance de préserver ce riche patrimoine, de célébrer la beauté de nos bateaux traditionnels, et de rendre hommage au travail de ceux, comme Yves Marre, qui se sont dévoués à la sauvegarde de notre héritage culturel.

Au cœur de la ville de Besançon, une association singulière émerge pour transformer l’espace public en un terrain d’expression artistique : Juste Ici. Fondée en 2011, cette association a pour mission de soutenir la création artistique contemporaine dans l’espace public. En proposant une vision unique où l’art devient accessible à tous, elle joue un rôle clé dans la dynamisation culturelle de Besançon et de ses environs.

Bien Urbain : Un Festival d’Art dans (et avec) l’Espace Public

L’une des initiatives phares de Juste Ici est le festival Bien Urbain. Créé la même année que l’association, ce festival se tient tous les ans jusqu’en 2022, puis une année sur deux à partir de 2022, et est devenu un événement incontournable pour les amateurs d’art contemporain. Bien Urbain propose à une quinzaine d’artistes internationaux de créer des œuvres originales, contextuelles, et surtout, accessibles à tous dans l’espace public. Ces œuvres, qu’elles soient des sculptures, des peintures murales, des créations multimédias ou des illustrations, transforment la ville en un véritable musée à ciel ouvert.

Pendant mon séjour à Besançon entre 2018 et 2023, j’ai eu la chance de découvrir les créations de ces artistes à travers des cours à l’université et des visites guidées organisées par Juste Ici. Ces expériences m’ont ouvert les yeux sur l’importance de l’art dans la vie urbaine et sur la manière dont il peut transformer notre regard sur notre environnement quotidien.

La Friche Artistique : Un Laboratoire de Création

Une autre initiative marquante de Juste Ici est la gestion de la Friche Artistique de Besançon, un espace dédié à la création et à l’expérimentation. Lors de ma licence professionnelle (LP METI) à l’université de Franche-Comté en 2022-2023, j’ai eu l’occasion de visiter ce lieu inspirant en compagnie de mes camarades et sous la direction de David Demougeot, directeur artistique de Juste Ici. La Friche est un espace où artistes locaux et internationaux peuvent se rencontrer, échanger et créer. C’est également un lieu où l’histoire et l’architecture de Besançon sont constamment réinterprétées à travers l’art.

Engagement Citoyen et Participation Collective

Juste Ici ne se contente pas de produire de l’art, elle engage également les habitants de Besançon dans des projets collectifs. Les Ateliers Juste Ici, par exemple, sont des initiatives visant à impliquer les habitants des quartiers de Planoise et Clairs-Soleils dans la création artistique. Ces ateliers permettent aux participants de s’approprier leur espace public en y intégrant des créations collectives, que ce soit par la rédaction d’un journal mural ou par l’aménagement d’espaces publics.

En parallèle, Juste Ici mène des actions éducatives en invitant des artistes à intervenir dans les écoles et établissements spécialisés. Ces résidences artistiques permettent aux élèves de découvrir l’art contextuel en rencontrant des artistes et en pratiquant eux-mêmes l’art dans leur environnement. Cette démarche vise à éveiller la curiosité des jeunes, à encourager leur créativité, et à les sensibiliser à l’importance de l’art dans l’espace public.

La Biennale 2025 : Une Nouvelle Édition à Ne Pas Manquer

Depuis sa création, le festival Bien Urbain a vu la réalisation de 422 œuvres par 162 artistes et collectifs issus de 25 nationalités. Ces œuvres, disséminées entre Besançon, Osselle et Saint-Vit, ont contribué à renforcer l’identité culturelle de la région. Alors que le festival est devenu une biennale, la prochaine édition est prévue pour juin 2025. Cet événement promet d’être une nouvelle fois un moment fort de rencontre entre l’art et le public, avec des œuvres qui continueront à surprendre, questionner et émouvoir.

Conclusion

Juste Ici est bien plus qu’une simple association ; c’est un moteur de transformation urbaine et sociale. Grâce à son engagement dans la création artistique en espace public, elle redonne vie à des quartiers entiers, tout en offrant aux habitants et aux visiteurs une nouvelle manière de percevoir la ville. Le festival Bien Urbain, véritable vitrine de cet engagement, est un rendez-vous incontournable pour tous ceux qui souhaitent explorer la richesse de l’art contemporain dans un cadre accessible et ouvert à tous. En attendant la prochaine édition en 2025, Besançon continue de vibrer au rythme des créations passées, présentes et futures.

En tant qu’étudiant étranger en France, il n’était pas obligatoire pour moi de participer au programme Erasmus. Cependant, ma curiosité et l’inspiration que m’a donnée mon professeur Rainer Oldendorf à l’ISBA m’ont poussé à explorer cette opportunité. Admirateur passionné de l’expressionnisme allemand, j’ai choisi de postuler à l’Académie des Beaux-Arts de Dresde (HfBK). L’histoire riche de l’académie, combinée aux images envoûtantes de Dresde que j’ai trouvées en ligne, a solidifié ma décision. D’octobre 2020 à mars 2021, j’ai entrepris un voyage de six mois qui allait devenir l’une des périodes les plus joyeuses et transformatrices de ma vie.

Navigating the Challenges of a Pandemic

Upon arrival, I worked under the guidance of sculptor Carl Emanuel Wolff, diving into theoretical courses on Romantic art and German Expressionism. This period was marked by the challenges posed by the COVID-19 pandemic, which led to the cancellation of many courses and exhibitions. Despite these setbacks, I found solace and camaraderie among the international students in my accommodation, sharing experiences and forging lifelong friendships.

A City of Inspiration

Dresden, with its stunning architecture and rich cultural heritage, offered me endless inspiration. I visited numerous museums and castles, immersing myself in the works of German masters, particularly the mesmerizing landscapes of Caspar David Friedrich. The city itself felt like an open-air museum, a perfect blend of history and art.

À la Rencontre des Artistes Locaux : Hanif Lehmann et Christine Wahl

L’un des aspects les plus mémorables de mon séjour à Dresde a été la rencontre avec les artistes locaux Hanif Lehmann et Christine Wahl. Hanif, en particulier, a joué un rôle significatif dans mon développement artistique. Né à Rochlitz, en Saxe, en 1971, Hanif a étudié la peinture et les arts graphiques à la HfBK Dresde sous la direction d’artistes renommés tels que Siegfried Klotz et Claus Weidensdorfer. Depuis 1998, il est artiste indépendant et dirige son propre atelier d’impression, la Widukind-Presse Dresden.

Un Atelier de Chaleur et de Créativité

L’hospitalité chaleureuse de Hanif, malgré la barrière linguistique, m’a fait sentir chez moi. Il m’invitait souvent dans son atelier, où nous partagions des tasses de café chaud, et il m’a initié aux techniques de gravure et de typographie. Je n’avais jamais essayé la gravure auparavant, mais l’encouragement et l’expertise de Hanif ont ouvert un nouveau monde pour moi. Son atelier était un refuge pendant la pandémie, un lieu où la créativité prospérait malgré les portes fermées de la ville.

Explorer l’Univers Artistique de Hanif

Le travail de Hanif se caractérise par son style unique, souvent axé sur la nature morte, les gares et les questions sociales. Il a également réalisé de nombreux portraits de personnes du monde entier. Sa participation à des foires du livre et à des programmes de résidence à travers le monde a enrichi sa perspective artistique. La 36e Foire des Arts Graphiques de Leipzig, qui présente plus de 100 artistes et explore le thème du « hortus secretus », met en lumière l’engagement de Hanif envers l’art de l’estampe. Ses contributions à la foire, ainsi que celles d’autres artistes de Saxe, Saxe-Anhalt et Thuringe, montrent une gamme diversifiée d’interprétations, des scènes de jardin concrètes aux créations fantastiques.

La Valeur de l’Amitié et du Mentorat

Malgré les défis de la pandémie, mon séjour à Dresde a été inestimable. La générosité de Hanif a dépassé le cadre de l’art; il est devenu un ami et un mentor. Son anglais fluide et son vif intérêt pour la musique et l’histoire ont rendu nos conversations éclairantes et agréables. L’opportunité de travailler avec lui, en particulier dans son atelier d’impression, a été un point culminant de mon expérience Erasmus. Nous avons exploré diverses techniques de gravure et expérimenté des formes mixtes, pratiquant même la reliure lorsque les cours à l’académie étaient indisponibles.

Un Voyage d’Immersion Culturelle

Cette expérience à Dresde a été bien plus qu’un simple échange académique; elle a été une immersion culturelle profonde. J’ai découvert les nuances de l’expressionnisme et du romantisme allemands, appris de nouvelles techniques artistiques, et, surtout, formé des liens durables avec des personnes qui ont enrichi mon parcours. Les amitiés que j’ai nouées, l’art que j’ai exploré et les défis que j’ai surmontés ont rendu cette aventure Erasmus inoubliable. Elle m’a rappelé la beauté de sortir de sa zone de confort et la joie d’embrasser de nouvelles expériences.

Christine a vécu à Paris ainsi qu’à l’étranger, travaillant dans des environnements très divers qui ont influencé et enrichi son œuvre. De Berlin, où elle a exposé pour la première fois en 1978, à la Guadeloupe, en passant par le Cameroun, Chypre, la Grèce et le Burkina Faso, elle a perfectionné un style unique et une technique narrative qui font d’elle une artiste complète.

Le Début d’une Amitié

Christine Robion n’est pas seulement mon artiste préférée; elle est aussi une amie proche, presque une famille. Notre rencontre est d’autant plus remarquable compte tenu de la différence d’âge et de nationalité. En juillet 2015, j’ai commencé à apprendre le français à l’Alliance Française de Chittagong, au Bangladesh, une institution qui organise des cours de langue et des événements culturels. En 2016, l’Alliance Française de Chittagong a invité Christine Robion pour une résidence artistique, en raison de son intérêt pour la langue bengalie et de son livre sur la vie d’un garçon de Chittagong migrant en France.

En tant qu’étudiant aux Beaux-Arts de Chittagong et à l’Alliance Française, j’ai eu la chance de participer à un atelier avec Christine Robion. Pour mieux comprendre son travail, nous avons reçu son livre « La vie rêvée de Chotan Barua ». Malheureusement, en juillet 2016, une attaque terroriste au Bangladesh a conduit à l’annulation de la résidence pour des raisons de sécurité. Ce fut un moment triste, et les écrits ainsi que les œuvres de Christine m’ont profondément touché. Je lui ai écrit un message sur Facebook, et nous avons gardé le contact depuis.

Des Retrouvailles en France

En 2018, j’ai eu l’opportunité de venir en France pour une résidence de deux mois à l’ISBA, où j’ai rencontré Christine pour la première fois en personne. Cette rencontre a été un moment clé dans mon parcours artistique. En 2022, j’ai participé à un stage de deux semaines avec Christine et à une exposition à la mairie de Trévron. Cette exposition, intitulée « Regards Croisés« , mettait en lumière notre interprétation personnelle des croix celtiques, symboles omniprésents dans la région de Trévron.

Le vernissage de l’exposition a eu lieu le jeudi 24 février à 18h à la mairie de Trévron. Nous avons peint vingt-quatre toiles de 30×30 cm à l’huile, inspirées par le patrimoine breton, notamment les croix et les écluses de la région. Cette expérience a été d’une importance capitale pour moi. Elle m’a permis de découvrir le riche patrimoine de Bretagne et m’a inspiré à m’y installer.

Regards Croisés : Inspiré par la Bretagne

Lors de la deuxième jour de l’exposition, nous avons invité des étudiants de l’école de Trévron à visiter l’exposition et à dessiner les croix qu’ils voyaient autour d’eux. Cette interaction avec les jeunes élèves m’a profondément inspiré et a renforcé mon désir de m’immerger davantage dans la culture bretonne.

Mon parcours avec Christine Robion est une illustration parfaite de la manière dont l’art transcende les frontières et les différences culturelles. Notre collaboration et notre amitié ont non seulement enrichi mon expérience artistique, mais ont aussi élargi mes horizons personnels et professionnels. Christine m’a appris l’importance de la narration dans l’art et comment chaque œuvre peut raconter une histoire unique et puissante.

Un Tournant Décisif

En conclusion, ma rencontre avec Christine Robion a été un tournant décisif dans ma carrière artistique. Elle m’a offert des opportunités inestimables et m’a inspiré à continuer à explorer et à exprimer ma vision à travers l’art. Son influence sur mon travail est indéniable, et je suis reconnaissant pour chaque moment partagé avec elle. À travers nos collaborations, j’ai appris que l’art est un langage universel, capable de créer des liens profonds et durables entre les individus, quels que soient leurs origines ou leurs parcours.

Ainsi, mon expérience avec Christine Robion et notre exposition « Regards Croisés » représente non seulement une fusion de nos talents artistiques, mais aussi un témoignage de l’amitié et de l’inspiration mutuelle qui peuvent naître de la rencontre de deux mondes.

Un voyage au cœur de l’art local

Pendant mon stage, j’ai été plongé dans diverses tâches, allant des responsabilités de conservation à l’engagement avec les visiteurs du musée. Cette expérience pratique m’a fourni des aperçus inestimables sur le fonctionnement des musées et les complexités de la préservation de l’art. Cependant, l’apprentissage le plus profond est venu de la vaste collection d’art local du musée, en particulier des œuvres de Pierre Bichet.

Pierre Bichet, né le 29 novembre 1922 à Pontarlier et décédé le 18 février 2008 dans la même ville, était un artiste aux multiples facettes. Renommé pour ses paysages enneigés, notamment ceux des montagnes du Jura, Bichet était également cinéaste et spéléologue. Ses collaborations avec le célèbre volcanologue Haroun Tazieff, s’étendant sur près de quarante ans, mettent en lumière son esprit aventurier et ses talents divers.

La vie et l’héritage de Pierre Bichet

La vie de Pierre Bichet était aussi riche et variée que son œuvre artistique. Ses premières années à Pontarlier et à Morteau étaient remplies d’influences qui l’ont orienté vers l’art. Une rencontre fortuite avec quatre jeunes artistes lors d’une exposition en face de la maison familiale a éveillé sa passion pour la peinture. Cette exposition précoce l’a conduit à poursuivre une éducation artistique formelle, même si la Seconde Guerre mondiale a interrompu ses études et l’a forcé à traverser une période tumultueuse de résistance et de survie.

Après la guerre, Bichet a repris ses études artistiques et a entamé un parcours qui le verrait devenir une partie intégrante de la communauté artistique de Pontarlier. Son mariage avec Suzanne Duval, avec qui il a eu cinq enfants, a ancré sa vie personnelle tandis que sa carrière professionnelle prospérait. Les œuvres de Bichet, en particulier ses lithographies, sont devenues des représentations emblématiques des paysages du Jura.

L’exposition : Honorer Pierre Bichet

En juillet 2023, le Musée de Pontarlier a organisé une exposition spéciale pour honorer Pierre Bichet, mettant en vedette des œuvres d’art données par sa famille. Cet événement n’était pas seulement un hommage à son génie artistique mais aussi une célébration de ses contributions à la communauté locale. Les paysages de Bichet, en particulier sa série « grandes neiges », ont capturé la beauté sereine et les réalités austères des hivers du Jura avec une profondeur émotionnelle et une compétence technique inégalées.

L’évolution artistique de Bichet

Le parcours artistique de Bichet est marqué par une évolution des premières œuvres figuratives vers des paysages abstraits. Ses premières peintures mettaient souvent en scène des thèmes allégoriques et religieux, ainsi que des scènes de la vie quotidienne dans le Haut-Doubs. Cependant, à partir des années 1960, son attention s’est principalement portée sur les paysages, capturant le silence, le froid et la lumière de l’hiver avec une portée cinématographique unique.

Les années 1980 ont été une période particulièrement difficile pour Bichet, marquée par des tragédies personnelles. Malgré ces épreuves, son travail a continué d’évoluer, sa palette se simplifiant et ses compositions devenant plus profondes et introspectives. Ses œuvres tardives, en particulier celles représentant de vastes paysages enneigés, restent parmi les plus évocatrices de la beauté naturelle du Jura.

À la découverte des lithographies de Bichet

L’un des aspects les plus passionnants de mon stage a été l’occasion d’explorer les lithographies de Bichet. Ces œuvres, souvent caractérisées par leurs formats allongés et leurs détails complexes, offrent une perspective différente sur les paysages du Jura. Les lithographies de Bichet, influencées par ses voyages au Japon et ses collaborations avec d’autres artistes, témoignent de sa polyvalence et de sa maîtrise de différents médias.

Visiter la maison et l’atelier de Bichet à Pontarlier a été un moment fort de mon stage. C’est là que j’ai vraiment apprécié la profondeur de sa connexion avec le Jura et son dévouement à représenter son essence. Presque chaque famille de la région possède une pièce de son œuvre, un témoignage de son impact sur la culture locale.

Conclusion

Mon stage au Musée Municipal de Pontarlier a été une expérience transformative qui a approfondi mon appréciation de l’art et de l’histoire locale. Découvrir l’œuvre de Pierre Bichet a été particulièrement significatif, offrant des aperçus sur la vie et l’héritage d’un artiste qui a profondément façonné le paysage culturel du Jura. L’art de Bichet, en particulier ses lithographies, continue d’inspirer et de résonner, capturant la beauté intemporelle de son Jura bien-aimé.

En 2011-2012, lors de ma deuxième année à l’Institut des Beaux-Arts de l’Université de Chittagong, j’ai découvert le mouvement artistique du réalisme au cours d’un cours d’histoire de l’art. C’est à ce moment-là que j’ai découvert les œuvres de Gustave Courbet, un artiste français renommé pour son dévouement à représenter la vie telle qu’elle est, sans embellissement. Son engagement envers le réalisme m’a fasciné et a profondément influencé mon parcours artistique.

En 2018, j’ai participé à un programme de résidence artistique puis étudié à l’Institut Supérieur des Beaux-Arts de Besançon (ISBA). Apprendre que Courbet était originaire de cette région et que sa ville natale, Ornans, était à proximité, était enthousiasmant. Ornans, souvent comparée à une petite Venise avec ses canaux et sa beauté naturelle, a inspiré de nombreux paysages de Courbet. Visiter le Musée Gustave Courbet et son atelier à Ornans fut une expérience profonde. J’ai également eu l’opportunité de voir d’importantes collections de ses œuvres au Musée des Beaux-Arts de Besançon, au Musée d’Orsay à Paris et au Musée Fabre à Montpellier.

Initialement, l’art hyperréaliste de Courbet m’a captivé par son attrait visuel. Cependant, en approfondissant mes recherches, j’ai réalisé que ses œuvres n’étaient pas seulement visuellement réalistes, mais également une manifestation profonde des réalités sociétales de son époque.

Réflexion sur la Responsabilité Artistique

Dans un texte que j’ai écrit le 15 octobre 2019, j’ai lutté avec des pensées profondément personnelles et chaotiques sur le rôle de l’artiste dans la société :

« En tant qu’étudiant en art, je me demande souvent : Quelle est la responsabilité de l’artiste envers la société ou l’État ? Y a-t-il une responsabilité quelconque ? Si oui, à quel point la pratiquons-nous, ou même la réalisons-nous ? À mon avis, les artistes devraient protester contre les incohérences sociales, politiques et économiques ou divers problèmes d’un pays. De la famine, le mouvement linguistique, la guerre d’indépendance aux mouvements anti-autoritaires – où les artistes n’ont-ils pas contribué ? Malheureusement, à l’heure actuelle, personne ne semble avoir le courage d’aborder les divers problèmes du pays. Les artistes semblent confinés dans le petit espace de leurs ateliers, se concentrant sur leurs bénéfices personnels. Pas de temps pour penser au pays, à la société et aux gens. Ou peut-être ne veulent-ils pas penser, ou manquent-ils de courage pour réfléchir à ces questions. »

Lors d’une visite au musée dans le cadre d’un atelier, j’ai observé une femme guidant des touristes à travers des œuvres célèbres. Elle expliquait avec enthousiasme « L’Hallali du cerf » de Courbet. Bien que j’aie vu ce tableau plusieurs fois auparavant et admiré ses détails, ce jour-là, j’ai ressenti le besoin de m’en échapper. Alors que tout le monde discutait de la violence représentée – les 22 chiens tuant un cerf, le maître à cheval les fouettant – je voyais les visages dans le tableau se transformer en quelque chose de plus violent, reflétant les réalités sociétales actuelles.

J’ai demandé à un ami de créer un dessin similaire à ce tableau, mais il avait peur. La peur de représenter le véritable scénario de notre pays et de sa situation politique – est-ce là l’image d’un État démocratique ? Où personne n’a la liberté d’expression, et la peur de la mort plane, nous mourons mille fois chaque jour.

La Situation Actuelle au Bangladesh

Depuis le 14 décembre 1971, ma patrie a perdu de nombreux intellectuels héroïques. Aujourd’hui, la douleur de leur perte est aggravée par la présence d’individus éduqués qui perpétuent l’injustice et l’anarchie. Les paysans, ouvriers et travailleurs semi-éduqués et non-éduqués des villages semblent posséder plus d’humanité et de moralité que ces soi-disant élites éduquées.

La mort tragique d’Abrar Fahad à BUET en 2019 a souligné les dangers auxquels les étudiants sont confrontés lorsqu’ils s’expriment contre l’injustice. Aujourd’hui, la situation reste sombre, avec des groupes terroristes comme la Chatra League, soutenus par le gouvernement et la police, attaquant des étudiants dans toutes les universités. Le 15 juillet 2024, nous nous trouvons dans la même situation désespérée, avec des milliers d’étudiants attaqués par la Chatra League et la police, soutenus par le gouvernement.

L’Exode des Talents et l’Avenir Incertain

Il fut un temps où les étudiants bangladais qui étudiaient à l’étranger revenaient pour contribuer à leur pays. Cependant, aujourd’hui, 99 % des étudiants bangladais cherchent toute opportunité de quitter définitivement le pays. Cette fuite des cerveaux est alarmante, car la nation perd ses esprits les plus brillants à cause d’un climat de peur et de répression.

Une éducation qui n’enseigne pas l’humanité et la moralité, mais qui promeut plutôt l’anarchie et l’injustice, n’est pas une éducation du tout. Le climat actuel au Bangladesh, où les étudiants sont terrorisés et où la liberté d’expression est étouffée, brosse un tableau sombre de notre avenir.

En tant qu’artistes, nous devons nous interroger sur notre rôle et notre responsabilité en ces temps tumultueux. Inspirés par le dévouement de Courbet à représenter les réalités sociétales, nous devons nous efforcer de refléter et de défier les injustices qui nous entourent, malgré les risques. Notre silence ne fait que perpétuer la violence et la répression qui menacent d’engloutir notre société.

L’un de mes films préférés du Bangladesh, Matir Moina (L’Oiseau d’Argile), réalisé par Tareque Masud, a laissé une empreinte profonde sur moi pendant mes années d’études à l’École des Beaux-Arts ISBA à Besançon. Lorsque notre cours de peinture nous a demandé de créer une œuvre inspirée d’un film, j’ai immédiatement choisi Matir Moina. Le contexte historique du film, les dynamiques familiales et les luttes personnelles dépeintes ont résonné en moi, influençant une série d‘œuvres uniques.

Le Film Matir Moina : Une Narration Touchante

Matir Moina est un drame de guerre bengali de 2002 qui décrit magnifiquement la vie d’une famille pendant la période turbulente précédant la guerre de libération du Bangladesh. Le film capture l’essence des conflits culturels et religieux à travers les yeux d’un jeune garçon, Anu. Ses expériences à la madrasa, ses interactions avec sa famille et les bouleversements sociopolitiques de l’époque forment le cœur de la narration. La capacité du film à transmettre de tels thèmes profonds m’a inspiré à explorer ces émotions et histoires à travers mon art.

Interprétation Artistique : Donner Vie au Film

Pour mon projet, j’ai décidé de recréer l’essence du film en utilisant des techniques mixtes. J’ai imprimé des images en noir et blanc de Matir Moina et les ai juxtaposées sur des pièces métalliques rouillées et d’autres objets trouvés. Ce choix de matériaux était intentionnel, reflétant la dégradation et les bouleversements vécus par les personnages. Le métal rouillé symbolisait l’érosion de la stabilité et les dures réalités auxquelles la famille était confrontée.

Œuvres Miniatures en Techniques Mixtes

Ma série de travaux miniatures capture les moments intimes et fragiles du film. Chaque pièce représente différents aspects de la vie de la famille pendant la guerre, mettant en lumière leurs dilemmes et les décisions qu’ils ont dû prendre. L’utilisation de techniques mixtes m’a permis de créer des textures et des profondeurs superposées, reflétant les émotions et situations complexes dépeintes dans le film.

L’Héritage de Tareque Masud

Tareque Masud, un réalisateur, scénariste et producteur bangladais acclamé, a laissé une marque indélébile dans le monde du cinéma avec Matir Moina. Le film a remporté une reconnaissance internationale, dont le Prix FIPRESCI au Festival de Cannes en 2002, et a été le premier film bangladais à concourir pour l’Oscar du meilleur film en langue étrangère. La capacité de Masud à raconter des histoires captivantes à travers ses films a été une influence significative sur mon parcours artistique.

Représentation Thématique dans l’Art

Dans mes œuvres, j’ai cherché à représenter les thèmes centraux de Matir Moina : la lutte pour l’identité, le conflit entre tradition et modernité, et l’impact de la guerre sur une famille. Les images que j’ai choisies pour travailler dépeignent des moments critiques du film, tels que le temps d’Anu à la madrasa, les conflits internes de la famille et les troubles sociopolitiques plus larges. En collant ces images sur des objets trouvés, j’ai cherché à créer un lien tangible entre le passé et le présent, rappelant aux spectateurs la pertinence continue de ces questions.

Un Hommage à un Chef-d’œuvre

Créer de l’art inspiré par Matir Moina a été un processus profondément personnel et réflexif pour moi. La représentation par le film de la diversité culturelle, du libéralisme religieux et de la résilience de l’esprit humain est universelle et intemporelle. À travers mon travail, j’espère rendre hommage à l’héritage de Tareque Masud et attirer l’attention sur la puissante narration de Matir Moina.

Conclusion

Matir Moina n’est pas seulement un film ; c’est une réflexion poignante sur une période historique significative et les histoires personnelles qui s’y rattachent. Ma série de travaux miniatures en techniques mixtes vise à capturer l’essence de ce chef-d’œuvre, offrant une narration visuelle qui complète la narration cinématographique de Masud. À travers ce projet, j’aspire à me connecter émotionnellement avec les spectateurs, partageant l’impact du film et sa pertinence face aux enjeux contemporains.

En tant qu’artiste, trouver l’inspiration dans une œuvre cinématographique aussi profonde a été une expérience enrichissante. Je vous invite à explorer mon travail et les couches complexes d’histoire, d’émotion et d’art qu’il incarne, toutes inspirées par le remarquable film Matir Moina.

Quand avez-vous pris le bus, le rickshaw, le taxi ou le bateau pour la première fois ? Pouvez-vous vous en souvenir ? Moi, je ne peux pas. Les souvenirs de mes premiers trajets en divers moyens de transport se sont estompés avec le temps. Cependant, je me souviens très bien de mon premier voyage en train en 2006 vers l‘Université de Chittagong. Le train-navette était différent de tous les autres trains. C’était un véhicule magique, où s’asseoir à la porte, devant la locomotive, ou même grimper sur le toit reste une mémoire indélébile.

Le Cœur de la Vie Universitaire

En tant que natif de Chittagong et étudiant à l’Université de Chittagong, le train-navette est l’essence de mon expérience universitaire. Un récit épique pourrait être écrit sur les navettes universitaires, mais mes compétences limitées en écriture ne peuvent qu’évoquer sa grandeur. Un de nos enseignants respectés a partagé un jour son étonnement de voir comment des étudiants de tout le pays voyagent des villages aux villes pour étudier, tandis qu’un groupe d’étudiants passionnés de Chittagong entreprend un voyage en train d’une heure vers le village pour leur éducation.

Rêves et Réalités d’Enfance

En grandissant, j’étais fasciné par le poème de Shamsur Rahman qui disait :
« Jhak jhak jhak, le train roule
Ai à minuit.
Le train avance, le train avance
Où est la maison du train ? »

Enfant, je rêvais de monter dans un train, écrivant souvent des essais sur des voyages en bateau ou en train basés sur les histoires des autres. Le jour où j’ai enfin pris la navette pour mon université de rêve fut magique. Mon amour pour la navette et le campus s’est enflammé ce premier jour et n’a fait que croître au fil des années.

Capturer l’Essence du Train-Navette : Un Voyage à Travers l’Art

C’était une partie intégrante de la vie, attraper le train de 7h50 à Sholashahar Junction pour atteindre le campus, et revenir par le train de 17h20. Chaque étudiant de l’Université de Chittagong sait que le train-navette est bien plus qu’un simple train – c’est un messager de mille rêves ; une mélodie d’espoir et de désespoir. Le train-navette est indissociable de la musique, nourrissant la naissance de nombreux chanteurs célèbres de Chittagong.

« Les jours universitaires s’éloignent,

Les jours lumineux et spectraux s’évaporent dans l’air. »

Le trajet de la ville au campus, ou vice-versa, prenait au moins 45 à 50 minutes. Parmi la musique et la beauté de la nature, ce temps s’écoulait rapidement. Passant par Battali, Jhautala, SholaShahar, Cantonment, Chowdhury Hat, Fatehabad, et de nombreux autres repères, nous arrivions à notre campus bien-aimé, accueillis par de vastes champs de riz, des forêts et des collines. La fatigue ne pouvait nous abattre ; au contraire, nous devenions plus vibrants à chaque instant.

Les compartiments du train-navette étaient aussi colorés que les rêves des étudiants universitaires, chacun étant une toile pour leur créativité. Les étudiants se chargeaient de peindre ces compartiments, les transformant en reflets vibrants de leurs aspirations. Chaque compartiment portait un nom unique, ajoutant au charme et au caractère individuel du train, comme Mohapapi, Always, CFC, Orion, Epitaph, Akakar, soixante-neuf (69), météore, VX, victoire, Concord, Cockpit, Khaitya kha, Sampan, Ulka, Red Signal, Fatafati, Charki, Virus et bien d’autres beaux noms.

Capturer la Magie du Train-Navette en Art

Le train-navette est un lieu où les rêves sont tissés, les histoires d’amour écrites et les peines oubliées. C’est comme le Polar Express vers un monde féerique, sans billets ni tarifs pour les étudiants. Une redevance annuelle est insignifiante comparée à la joie de monter à bord de la navette, qui est gratuite pour les candidats aux tests d’admission et autres voyageurs.

Chaque jour était une aventure, de trouver des places pour les amis à partager des prune de porcs et du jhalmuri. Sauter sur un train en marche ressemblait à une scène de « Dilwale Dulhania Le Jayenge« , évoquant le moment emblématique de Raj-Simran. La navette était le début et la fin de nombreuses histoires d’amour. Inspirée par cette culture vibrante, d’innombrables pièces de musique et films ont été créés, célébrant l’esprit unique de la navette.

En 2017, j’ai eu l’occasion de donner vie à cette inspiration à travers l’art. En collaboration avec un ami, nous avons réalisé une peinture murale pour le « 6teen Café and Bistro » à Chittagong. L’œuvre d’art était inspirée par le train-navette emblématique de l’Université de Chittagong, capturant son essence et la joie qu’il apporte aux étudiants.

Ce travail de commande est un témoignage du charme durable du train-navette, un symbole bien-aimé de mes jours universitaires et une source d’inspiration créative inépuisable.

Unique au Monde

L’Université de Chittagong se distingue à l’échelle mondiale par son service de train unique pour les étudiants, situé dans un cadre naturel époustouflant de montagnes et de fontaines. Elle possède même son propre musée. Le fameux “Jhupri Ghor” de Kala Bhavan, avec ses mets délicieux, a enchanté des générations d’étudiants.

Un Amour Durable

Bien qu’il soit passé beaucoup de temps depuis ma dernière visite au campus universitaire, et malgré les nombreux trains que j’ai pris à travers le monde, rien ne se compare à la navette. Elle a changé au fil des ans, ses couleurs ne sont plus les mêmes, mais mon amour pour le train-navette reste inchangé. Je ressens encore ses couleurs et l’odeur de l’amour. J’aimerai toujours l’Université de Chittagong.

Chanson des feuilles mortes

Date de création : Septembre 2014

Dimensions : 105 cm x 90 cm

Technique(s) utilisée(s) : Peinture à l’huile et acrylique sur toile

Satisfaction de la beauté paroissiale et splendeur naturelle est la mélodie centrale de cette œuvre d’art. Femme et nature sont enchaînées ensemble, émergeant de la nature, s’élevant ici, vivant sous son abri et disparaissant en son sein. Parfois, les femmes sont fraîches comme les arbres, fertiles comme la terre, magnifiques comme les fleurs, immenses comme le ciel. Cela illustre leur lien profond avec la nature. La relation entre la femme et la nature, se blottir dans le giron de la nature, est l’inspiration de cette création artistique.

Cette œuvre représente deux amies dansant au début du printemps. Les couleurs vives et les motifs sont conçus pour capturer l’essence de la joie printanière et des fleurs, en imaginant une musique émanant du murmure des feuilles. L’œuvre s’inscrit dans le contexte culturel du Bangladesh, s’inspirant à la fois de l’impressionnisme et des peintures de Georges Seurat.

La vierge en fleur

Date de création : Novembre 2015

Dimensions : 90 cm x 60 cm

Technique(s) utilisée(s) : Peinture acrylique sur toile

Cette œuvre représente une femme entourée de fleurs, peinte dans un style occidental. L’inspiration pour cette peinture provient d’une histoire de mon enfance, racontée par ma grand-mère, sur deux sœurs vivant autrefois dans notre village. L’une des sœurs, nommée « Phool Kumari », m’a particulièrement marquée par son nom et sa personnalité, et c’est elle qui a inspiré cette œuvre.

Les femmes sont la source de suprématie et les régulatrices du monde dans les sagas. Elles sont le symbole de la bienveillance et de la générosité, tout en étant des déesses de la perfection, mais peuvent également devenir des destructrices en cas de besoin.

Des regards numériques

Date de création : Novembre 2020

Dimensions : 10 cm x 7 cm

Technique(s) utilisée(s) : aquarelle sur papier

Cette œuvre représente une femme bangladaise en train de jeter un coup d’œil sur les réseaux sociaux. L’inspiration pour cette peinture m’est venue d’un dessin de l’artiste bangladais célèbre Kamrul Hasan. Pendant la pandémie de COVID, nous étions isolés les uns des autres, et les réseaux sociaux étaient le seul moyen de surveiller la vie des autres. Les couleurs et les détails de l’œuvre visent à refléter l’importance de la connexion virtuelle en période d’isolement.

Portrait d’une femme

Date de création : mai 2022

Dimensions : Diamètre 10 cm

Technique(s) utilisée(s) : Stylo à encre sur bois

Un élément central de ma démarche artistique est le portrait d’une femme sans visage, orné d’une couronne d’épines, dessiné sur le bois d’une boîte de fromage Mont d’Or avec un stylo à encre. Ce matériau inattendu, découvert lors de mon bénévolat à la Croix-Rouge en distribution alimentaire, m’a profondément inspirée. Le nœud cassé de ce bois symbolise les brisures et les contraintes imposées aux femmes.

Un élément central de ma démarche artistique est le portrait d’une femme sans visage, orné d’une couronne d’épines, dessiné sur le bois d’une boîte de fromage Mont d’Or avec un stylo à encre. Ce matériau inattendu, découvert lors de mon bénévolat à la Croix-Rouge en distribution alimentaire, m’a profondément inspirée. Le nœud cassé de ce bois symbolise les brisures et les contraintes imposées aux femmes.
(Cliquer pour agrandir)

Cette œuvre interroge les rôles assignés aux femmes dans la société bangladaise. Au Bangladesh, la majorité des femmes sont des femmes au foyer et passent beaucoup de temps à préparer les repas pour leur famille, souvent sans reconnaissance ni respect. Par ce portrait, je souhaite mettre en lumière leur invisibilité et leur contribution sous-estimée.

Couloir du musée des Beaux-Arts de Besançon

Date de création : Juillet 2021
Dimensions : 10 cm x 7 cm
Technique(s) utilisée(s) : Aquarelle sur marbre

Cette œuvre représente le couloir du musée des Beaux-Arts de Besançon, une source d’inspiration marquante lors de ma première visite en France fin mars 2018. Bien que le musée fût en rénovation à l’époque et que je n’aie pas pu y entrer, son architecture m’a profondément intriguée. Après quelques mois, j’ai eu l’occasion de revenir en France et, en novembre 2019, j’ai enfin pu visiter le musée. Cette aquarelle capture l’essence de ce moment tant attendu.

Les Poupées

Date de création : Décembre 2020
Dimensions : 300 cm x 50 cm x 250 cm
Technique(s) utilisée(s) : Argile

Cette œuvre est une installation composée de poupées en argile, inspirées des poupées traditionnelles du Bangladesh. Mes poupées sans tête reflètent la pression sociale exercée sur les femmes pour qu’elles incarnent l’idéal de la femme soumise et sans volonté propre. Pour recevoir des compliments en tant que femme idéale et gentille, il est souvent attendu de ne pas avoir de pensées personnelles et d’être contrôlée par quelqu’un d’autre. En revanche, si une femme tente de protester ou de prendre ses propres décisions, elle est souvent qualifiée de désobéissante.

Parmi ces poupées, une seule possède une tête, mais elle est sans visage et porte une couronne d’épines. Cela symbolise le fait que, pour prendre ses propres décisions et agir selon ses propres désirs, une femme doit être prête à souffrir, à être insultée par les autres, et à assumer la responsabilité de se protéger elle-même.
(Cliquer pour agrandir)

Bijoux de Défense

Date de création : Décembre 2021
Dimensions : 10 cm x 150 cm x 5 cm
Technique(s) utilisée(s) : Techniques mixtes

Cette œuvre représente une collection de bijoux conçus à partir de vis, épingles, clous, canettes et céramiques. Ces matières brutes et tranchantes bouleversent l’idée traditionnelle du bijou comme simple accessoire de beauté pour en faire un outil de défense. Ces bijoux ne sont pas seulement décoratifs, mais fonctionnent comme une véritable armure. À travers ce travail, je propose que les bijoux ne soient pas uniquement des ornements, mais aussi des instruments de protection, offrant une sécurité mentale et physique aux femmes.
(Cliquer pour agrandir)

Fusion Architecturale

Date de création : Mai 2024
Dimensions : 60 cm x 180 cm
Technique(s) utilisée(s) : Techniques mixtes

Cette œuvre représente un collage panoramique de la ville de Rennes. En me baladant dans le centre-ville, j’ai pris des photos de l’architecture, en particulier des bâtiments à colombages. J’ai ensuite imprimé ces photos, découpé les parties qui m’intéressaient et les ai collées avec des éléments de bâtiments modernes. Certaines parties ont été dessinées à la main pour créer une composition unique. J’ai également utilisé de la peinture aquarelle sur les photos, fusionnant ainsi les différents styles architecturaux pour capturer l’essence dynamique et historique de Rennes.

MÈRE AVEC SON ENFANT

Date de création : Mai 2024

Dimensions : 20 cm x 20 cm

Technique(s) utilisée(s) : Peinture acrylique

Cette œuvre représente une mère avec son enfant, peinte dans un style indien. Les couleurs vives et les motifs traditionnels visent à capturer l’essence de la relation maternelle dans le contexte culturel de l’Inde.
(Cliquer pour agrandir)

Autoportrait

Date de création : Mars 2021
Dimensions : 20 cm x 15 cm
Technique(s) utilisée(s) : Aquatinte

Cette œuvre représente un autoportrait inspiré par la célèbre peinture « La Jeune Fille à la perle » de Vermeer. Utilisant la technique de l’aquatinte, j’ai cherché à capturer la lumière, l’expression et la sérénité qui caractérisent l’œuvre originale, tout en y intégrant des éléments personnels pour refléter mon propre regard et ma personnalité.

Jeux d’enfance

Date de création : Mars 2015
Dimensions : 90 cm x 55 cm
Technique(s) utilisée(s) : Peinture à l’huile et acrylique sur toile

Les souvenirs d’enfance sont des trésors précieux pour chaque individu. Les poupées en argile artisanales, les voitures, les jouets et bien d’autres choses encore symbolisent cette période de la vie. Ils me rappellent ces jours dorés.

Dans cette œuvre, la présence de paysages naturels désigne l’environnement rural où j’ai grandi, plongé dans la beauté de la nature. J’ai utilisé des motifs de Jamdani Sari sur la nappe, un textile traditionnel et éminent au Bangladesh, représentant la prospérité de la culture bengalie. Les petites empreintes de pas évoquent la nostalgie et le désir de retrouver ces jours dorés.

Nature morte

Date de création : Mai 2015
Dimensions : 60 cm x 90 cm
Technique(s) utilisée(s) : Peinture acrylique sur toile

Cette nature morte présente une poupée traditionnelle du Bangladesh, vêtue d’une robe occidentale ornée de motifs Jamdani, un textile traditionnel et éminent au Bangladesh. Dans mon travail, je mélange les cultures, car ayant grandi au Bangladesh, mon pays d’origine, je vis maintenant en France. Je m’adapte à la culture européenne tout en préservant mon originalité.

Chansons des feuilles mortes II

Date de création : Juin 2015
Dimensions : 90 cm x 75 cm
Technique(s) utilisée(s) : Peinture acrylique sur toile

Cette nature morte représente divers objets symbolisant l’évasion du tumulte urbain, du vacarme et de la vie monotone. Mon œuvre exprime l’aspiration à retourner dans un environnement rural naturel, riche en verdure. C’est le thème central de mon art.

Autoportrait

Date de création : Mars 2014
Dimensions : 60 cm x 45 cm
Technique(s) utilisée(s) : Peinture à l’huile et acrylique sur toile

J’ai réalisé mon autoportrait, me représentant comme une indigène indienne. Cette œuvre reflète les diverses pensées qui hantent constamment mon esprit et mon désir de retourner à une société primitive dépourvue de complexité. Sous l’emprise de la modernité urbaine, nous oublions notre propre existence.

Rêve

Date de création : Décembre 2015
Dimensions : 228.6 cm x 304.8 cm
Technique(s) utilisée(s) : Peinture Acrylique sur tissus, toile et sable

Depuis l’aube des temps, nous conceptualisons une sorte de reflet de nos pensées, émotions, souhaits et expériences. Cette même technique a été appliquée à mon œuvre. Les rêves nous inspirent à libérer notre imagination et à réfléchir sur nos passions, peurs et désirs.

L’océan est un symbole féminin qui nous connecte à notre nature divine féminine. Associée à la compassion, à la créativité et à l’intuition, l’eau nous rappelle que nous sommes tous connectés énergétiquement et par l’eau elle-même.

Rêver de l’océan nous invite à entrer en contact avec notre moi profond et à nous connecter à notre véritable nature.

Nature morte

Date de création : Décembre 2013
Dimensions : 30.48 cm x 25.4 cm
Technique(s) utilisée(s) : Gravure (wood cut)

Nature morte

Date de création : Décembre 2013
Dimensions : 25.4 cm x 35.56 cm
Technique(s) utilisée(s) : Collage