Un Aperçu du PK Sen Bhaban

Construit dans les années 1920 par le zamindar Prasanna Kumar Sen, le PK Sen Bhaban est un témoignage de l’héritage architectural de Chittagong. Son design unique mêle des éléments des temples hindous, des motifs islamiques et des influences gothiques européennes. Bien que le bâtiment ne compte que quatre étages, le dôme et les minarets imposants donnent l’illusion de sept étages, faisant de lui l’un des édifices les plus hauts de Chittagong à l’époque coloniale.

Ses larges fenêtres, ses ventilateurs géométriques et sa structure hexagonale se démarquent dans le paysage architectural traditionnel sud-asiatique. Avec plus de 40 pièces et deux escaliers majestueux, ce bâtiment reflète le statut et la vision généreuse de PK Sen, un commerçant prospère de riz et d’huile.

L’Expérience de la Résidence URONTO

En 2016, l’équipe URONTO a choisi le PK Sen Bhaban pour la cinquième saison de son exploration artistique. Ce projet a réuni des artistes nationaux et internationaux qui ont réinterprété l’essence du bâtiment à travers des expressions créatives. Parmi les participants figuraient des artistes d’Inde, du Brésil, de Hong Kong et du Bangladesh, ainsi que des étudiants de l’Institut des Beaux-Arts de Chittagong.

Ce qui rend cette résidence unique, c’est que le bâtiment n’était pas abandonné. Il abritait encore des locataires, dont des membres de la famille Ghosh, les propriétaires actuels. Cette interaction vivante avec l’histoire du lieu a offert une expérience artistique enrichissante et inédite.

L’Héritage du PK Sen Bhaban

Au-delà de son éclat architectural, le PK Sen Bhaban est un témoin silencieux de l’histoire en constante évolution de Chittagong. Lors de la Partition de 1947, PK Sen a vendu le bâtiment à Sadananda Ghosh. Les décennies suivantes ont vu la structure affronter de nombreuses épreuves, notamment les ravages de la guerre de libération en 1971, qui a laissé le bâtiment marqué par des fenêtres brisées et des pertes humaines tragiques.

Malgré ces épreuves, le bâtiment continue de se dresser, symbole de résilience. Cependant, son histoire riche est éclipsée par des décennies de négligence. Des plâtres qui s’effondrent, des escaliers abîmés et un manque d’entretien menacent sa survie.

Les Défis de la Préservation

Les efforts pour préserver le PK Sen Bhaban ont été sporadiques et largement inefficaces. Bien que l’Autorité de Développement de Chittagong reconnaisse la valeur culturelle du bâtiment, les obstacles bureaucratiques et les contraintes financières ont entravé toute initiative concrète de restauration. Frustrés, les propriétaires actuels ont envisagé de démolir la structure pour céder la place à de nouveaux développements.

Cependant, des urbanistes comme Zarina Hossain et des architectes comme Huda Mohammed Faisal ont souligné la rareté architecturale de ce bâtiment. Leur plaidoyer met en lumière l’urgence d’une action immédiate pour préserver ce site patrimonial irremplaçable.

Un Appel à l’Action

La négligence envers le PK Sen Bhaban reflète un problème plus vaste : la sous-évaluation des bâtiments patrimoniaux au Bangladesh. Ces structures ne sont pas de simples vestiges du passé ; elles sont des liens vivants avec notre histoire et notre identité. Parcourir les escaliers labyrinthiques et contempler les designs complexes m’a empli d’une fierté immense et d’une profonde tristesse.

Le gouvernement, les autorités locales et les organisations patrimoniales doivent collaborer pour restaurer et préserver le PK Sen Bhaban. Des campagnes de sensibilisation, des subventions pour la restauration et une inclusion dans le tourisme patrimonial pourraient redonner vie à ce joyau architectural.

Conclusion

Ma visite au PK Sen Bhaban a été une expérience transformative. Elle a approfondi mon appréciation pour le patrimoine de Chittagong et renforcé l’urgence de le préserver pour les générations futures. Bien que la splendeur du PK Sen Bhaban se soit estompée avec le temps, son esprit perdure.

En unissant nos efforts et en adoptant une nouvelle responsabilité, nous pouvons garantir que des structures comme le PK Sen Bhaban demeurent debout, non pas comme des ruines du passé, mais comme des monuments fiers de notre histoire commune.

L’art a toujours été une passerelle entre l’expression personnelle et le récit culturel. En tant qu’artiste issue d’un pays en développement, mes inspirations puisent souvent dans mon environnement : ses luttes, ses victoires et ses traditions. Aujourd’hui, j’aimerais partager avec vous l’influence d’un artiste contemporain qui m’inspire profondément : El Anatsui. Ce sculpteur visionnaire a marqué la scène artistique mondiale par son audace et sa créativité. Découvrir son travail lors de la Biennale de Venise en 2019 a été pour moi une révélation : une rencontre décisive qui a nourri mon lien avec mon patrimoine culturel tout en enrichissant mes pratiques artistiques.

Découvrir El Anatsui

El Anatsui, sculpteur ghanéen, est connu pour sa capacité unique à transformer des matériaux recyclés en œuvres d’art spectaculaires et monumentales. Né en 1944 à Anyako, au Ghana, il a développé l’essentiel de sa carrière au Nigeria, où il enseigne et crée dans des studios situés à Nsukka, Enugu et Tema. Il est reconnu pour son talent à donner une nouvelle vie à des objets du quotidien comme les capsules de bouteilles ou les râpes à manioc, qu’il transforme en sculptures explorant des thèmes puissants tels que le colonialisme, la surconsommation et l’environnement.

Mon premier contact avec ses immenses sculptures métalliques à la Biennale de Venise m’a laissée sans voix. Leurs dimensions impressionnantes et les histoires qu’elles semblaient conter m’ont profondément touchée. Ces œuvres parlent d’histoire, de résilience et d’interconnexion—des valeurs qui résonnent particulièrement avec mon vécu à Chittagong, une région côtière marquée par ses propres traditions riches et défis complexes.

Un Lien Personnel avec Son Œuvre

Dans mon petit village de Chittagong, les traditions liées à la mer façonnent la vie quotidienne. La pêche est une activité vitale, et les femmes de ma communauté tissent des filets pour subvenir aux besoins de leurs familles. Moi, cependant, j’ai toujours été attirée par le tricot et la couture, des activités qui me procurent à la fois sérénité et expression personnelle. L’idée de recycler des matériaux pour créer des objets d’art a toujours éveillé ma curiosité.

Sous l’influence d’El Anatsui, j’ai commencé à récolter des canettes abandonnées le long des routes et des sentiers. En les découpant et en les assemblant, j’ai réalisé un rideau coloré évoquant les tapisseries métalliques scintillantes qui caractérisent son œuvre. Ce processus m’a semblé incroyablement enrichissant—comme si je tissais non seulement des matériaux, mais aussi des souvenirs, des histoires et un sentiment d’appartenance.

L’Héritage Artistique d’El Anatsui

El Anatsui a grandi dans une famille de tisserands, développant dès son plus jeune âge une compréhension intuitive du pouvoir des textiles et des motifs. Après des études à l’Université des sciences et technologies Kwame Nkrumah, il a poursuivi une carrière d’enseignant à l’Université du Nigeria, Nsukka, où il a joué un rôle clé au sein du Groupe de Nsukka. Ce collectif s’efforce de fusionner les formes d’art africaines traditionnelles, telles que l’Uli et le Nsibidi, avec des expressions contemporaines.

L’approche d’Anatsui vis-à-vis des matériaux recyclés a commencé comme une réflexion sur la consommation et les déchets, mais elle a évolué pour aborder des thèmes plus universels. Ses sculptures, constituées de capsules de bouteilles et d’autres vestiges de notre culture de consommation, racontent des histoires imbriquées dans ces matériaux. Ces objets, porteurs de la trace de multiples mains, ajoutent une profondeur narrative qui interroge les héritages coloniaux tout en célébrant la force des communautés.

Des Leçons pour Mon Propre Parcours Artistique

L’un des aspects les plus fascinants du travail d’El Anatsui est sa conception de l’art comme un processus fluide et en constante évolution. Ses sculptures, bien que minutieuses et complexes, demeurent adaptables et malléables. Il invite les conservateurs à remodeler ses œuvres lors de chaque exposition, illustrant ainsi la nature changeante des expériences humaines.

Cette philosophie m’inspire à intégrer plus de souplesse et d’ouverture dans mon propre art. À l’instar des œuvres d’Anatsui, mes créations évoluent au contact de différents lieux et publics. Sa pratique me rappelle également qu’il est possible de créer des œuvres à la fois profondément enracinées dans une culture locale et universellement pertinentes. En utilisant des matériaux recyclés, j’aspire à raconter des histoires qui transcendent les frontières tout en honorant mes racines.

Un Impact Culturel et Environnemental Durable

L’influence d’El Anatsui dépasse les limites du monde de l’art. Ses œuvres figurent dans des collections prestigieuses comme celles du British Museum ou du Smithsonian Institution, et il a été récompensé par des distinctions majeures, notamment le Lion d’Or pour l’ensemble de sa carrière à la Biennale de Venise en 2015. Mais au-delà des honneurs, son art nous pousse à repenser notre rapport aux matériaux, à la consommation et au gaspillage.

Pour une artiste issue d’un pays en développement, ce message est particulièrement puissant. Dans des régions comme la mienne, où les ressources sont limitées et où les déchets s’accumulent souvent, trouver du sens et de la beauté dans les objets abandonnés est à la fois une nécessité et une forme d’autonomisation. Les œuvres d’Anatsui rappellent que le recyclage n’est pas seulement un acte écologique, mais aussi une manière de préserver et de transmettre des récits culturels.

Conclusion

Le parcours d’El Anatsui, depuis un petit village du Ghana jusqu’à une reconnaissance mondiale, témoigne du pouvoir transformateur de l’art. Sa capacité à transformer des matériaux simples en sculptures spectaculaires illustre la résilience de l’esprit humain et les possibilités infinies de la créativité.

Son influence sur mon travail est profonde : elle guide non seulement mon choix de matériaux, mais aussi les thèmes et les valeurs qui animent mes créations. Alors que je continue à explorer ma propre voix artistique, je reste profondément reconnaissante pour l’exemple qu’il offre. El Anatsui nous montre qu’avec créativité et conviction, même les matériaux les plus modestes peuvent devenir des œuvres d’art porteuses de sens et de beauté, capables de parler au monde tout en honorant nos racines.

Qu’est-ce que la Linogravure ?

La linogravure, ou gravure sur linoléum, est une technique d’impression en relief où une image est gravée dans une plaque de linoléum. Le design est ensuite encré et pressé sur du papier ou du tissu pour créer une impression. Contrairement à la gravure sur bois, la linogravure offre une surface plus lisse et est plus facile à graver, ce qui en fait une technique idéale pour les débutants. Cependant, le linoléum s’use plus rapidement pendant le processus d’impression en raison de sa douceur.

Matériaux Essentiels pour la Linogravure

Avant de commencer la linogravure, vous aurez besoin de quelques matériaux essentiels. Heureusement, la linogravure est accessible et abordable pour les débutants.

1. Plaques de Linoléum: Commencez avec du linoléum gris traditionnel, qui est facile à graver. Vous pouvez choisir du linoléum non monté, ou, pour plus de stabilité, du linoléum monté sur un bloc de bois.

2. Outils de Gravure: Un ensemble d’outils de gravure est indispensable pour sculpter votre design. Personnellement, j’utilise les outils Power Grip, mais il existe de nombreuses options abordables. Assurez-vous d’avoir une variété de gouges en V et en U pour obtenir différentes textures et qualités de ligne dans votre design.

3. Encre. Choisissez une encre en fonction de la surface que vous souhaitez imprimer. Pour le papier, des encres à base d’huile comme la Cranfield Caligo Safe Wash Relief Ink fonctionnent bien. Pour imprimer sur du tissu, essayez les encres Speedball pour la linogravure sur tissu. Si vous débutez, les encres à base d’eau peuvent être plus faciles à nettoyer.

4. Rouleau (Brayer): Un rouleau en caoutchouc souple est utilisé pour répartir l’encre de manière uniforme sur votre bloc de linoléum. Les rouleaux existent en différentes tailles, choisissez donc celui qui correspond à la taille de votre bloc. Les rouleaux en caoutchouc souple Speedball sont un choix populaire pour les débutants.

5. Papier: Pour une impression manuelle, optez pour un papier doux et absorbant. Parmi les choix populaires, on trouve le papier de riz ou des papiers spécialisés pour l’impression comme le Rives BFK.

6. Cuillère ou Baren: Si vous n’avez pas accès à une presse, un simple outil comme le dos d’une cuillère ou un baren peut être utilisé pour transférer l’encre du bloc de linoléum au papier.

Guide Étape par Étape pour la Linogravure

Maintenant que vous avez vos fournitures, voici un guide étape par étape pour réaliser votre première linogravure.

1. Concevez Votre Image

Commencez par dessiner votre design sur du papier. Gardez à l’esprit que l’impression finale sera une image en miroir de votre dessin, donc si vous incluez du texte, pensez à le renverser avant de le transférer. Les designs simples en noir et blanc avec des lignes audacieuses conviennent mieux aux débutants.

2. Transférez le Design

Une fois votre design finalisé, transférez-le sur le bloc de linoléum. Vous pouvez le dessiner directement sur le bloc ou utiliser du papier carbone pour tracer l’image sur la surface.

3. Gravez le Bloc

Commencez à graver votre design à l’aide des gouges en V et en U. Enlevez les parties que vous ne voulez pas imprimer (les espaces négatifs). Prenez votre temps et soyez prudent, car il est facile de faire des erreurs. Si vous faites un faux mouvement, ne vous inquiétez pas — les erreurs peuvent être réparées avec de la super glue, puis regravées.

4. Encrez le Bloc

Utilisez votre rouleau pour appliquer une fine couche uniforme d’encre sur les surfaces en relief de votre bloc de linoléum. Évitez de trop encrer, cela peut rendre les impressions brouillonnes.

5. Imprimez Votre Design

Placez votre bloc encré face contre le papier. Si vous imprimez manuellement, appuyez fermement avec un baren ou le dos d’une cuillère pour transférer l’encre. Assurez-vous d’exercer une pression égale sur toute la surface. Décollez lentement le papier pour révéler votre impression.

6. Laissez Sécher et Répétez

Laissez sécher complètement votre impression avant de la manipuler. Si vous réalisez plusieurs impressions, répétez le processus d’encrage et d’impression pour chacune.

Résolution des Problèmes Courants en Linogravure

La linogravure est un médium indulgent, mais quelques problèmes courants peuvent survenir. Voici comment les résoudre :

• Impression Inégale : Si certaines parties de votre impression sont moins foncées que d’autres, assurez-vous d’appliquer une pression uniforme lors de l’impression manuelle.
• Traces Indésirables : Des marques d’encre parasites peuvent apparaître si vous ne gravez pas assez profondément. Essayez de nettoyer le bloc avant d’encrer ou gravez à nouveau les zones concernées.
• Encre qui Bave : Si votre encre s’étale trop, vous avez peut-être utilisé trop d’encre. Essayez d’appliquer une couche plus fine avec votre rouleau.

Explorer la Linogravure en Couleur

Une fois que vous avez maîtrisé les bases de la linogravure en noir et blanc, vous pouvez expérimenter avec la couleur. Il existe deux méthodes principales pour réaliser des linogravures en couleur :

1. Méthode Multi-blocs : Utilisez un bloc différent pour chaque couleur de votre design. Imprimez chaque couche successivement.
2. Méthode de Réduction : Sculptez et imprimez une couche à la fois à partir d’un seul bloc, en retirant plus de matière pour chaque couleur successive.

Conclusion

La linogravure est une technique d’impression gratifiante et polyvalente, parfaite pour les artistes de tous niveaux. Que vous expérimentiez des designs simples en noir et blanc ou que vous vous lanciez dans des impressions multi-couleurs, le processus offre des possibilités créatives infinies. Si vous rencontrez des difficultés en cours de route, ne vous découragez pas. Avec de la pratique et de la patience, vous créerez de magnifiques impressions en un rien de temps.

N’hésitez pas à me contacter pour toute question ou demande de conseils supplémentaires — bonne impression !

Un Requin dans un Écrin de Verre

L’œuvre en question se compose d’un requin tigre de quatorze pieds, enfermé dans un grand récipient de verre rempli de formaldéhyde. Le prédateur semble figé dans une posture menaçante, comme s’il était prêt à attaquer, mais il est immobile, figé dans la mort. Cette présentation, à la fois clinique et dramatique, crée un sentiment de malaise chez le spectateur. Hirst a lui-même déclaré qu’il souhaitait que le requin soit suffisamment grand pour donner l’impression qu’il pourrait « vous manger », et que le contenant soit assez vaste pour que l’on puisse s’imaginer se trouver à l’intérieur.

La force de cette œuvre réside dans l’illusion qu’elle crée : bien que nous sachions que le requin est mort, sa taille imposante et sa posture menaçante jouent sur nos instincts primitifs de survie et éveillent en nous une peur viscérale. L’artiste explore ici la fine frontière entre la vie, la mort, et notre incapacité à véritablement concevoir la mort tant que nous sommes en vie.

Entre Art et Philosophie : Mimésis et Beauté

Mimésis : Une Nouvelle Interprétation

Le concept de mimésis, introduit par Platon, repose sur l’idée que l’art est une imitation de la réalité. Dans The Physical Impossibility of Death in the Mind of Someone Living, Hirst brouille cette ligne traditionnelle. Son requin n’est pas une imitation de la nature, mais un fragment réel de celle-ci, extrait de son environnement et présenté tel quel. Ce n’est pas une sculpture ou une peinture représentant un requin, mais bien un requin réel, transformé en objet d’art par son contexte.

Ce choix radical remet en question l’idée platonicienne de la mimésis. Ici, Hirst ne crée pas une représentation dégradée de la réalité, comme le suggérait Platon, mais expose une réalité brute et non transformée. En ce sens, il s’inscrit dans la lignée des ready-mades de Marcel Duchamp, où l’objet trouvé devient œuvre d’art simplement par le choix de l’artiste. Hirst nous force à reconsidérer ce qu’est l’art et si l’art réside dans l’objet lui-même ou dans l’intention de l’artiste.

Beauté : Un Dialogue avec le Sublime

L’œuvre de Hirst questionne également notre perception traditionnelle de la beauté. Si, selon les théories classiques, la beauté est synonyme d’harmonie, de proportion et d’agrément esthétique, The Physical Impossibility of Death in the Mind of Someone Living dérange plutôt qu’elle n’apaise. Le requin est un symbole de violence et de mort, et sa simple présence évoque un danger imminent. Pourtant, l’installation suscite aussi une certaine fascination esthétique, une admiration mêlée de peur, que le philosophe Edmund Burke attribuerait au sublime plutôt qu’à la beauté.

Le sublime, selon Burke, est ce qui a le pouvoir de nous terrifier et de nous subjuguer, une émotion intense souvent associée à la grandeur et à la mort. Le requin de Hirst incarne cette dualité : il est à la fois terrifiant et captivant, une incarnation parfaite du sublime burkien. La peur de la mort qu’il évoque nous pousse à réfléchir à notre propre mortalité, créant ainsi une expérience à la fois esthétique et existentielle.

Une Œuvre aux Multiples Dimensions

Hirst explore plusieurs couches de significations à travers cette œuvre. D’un point de vue psychologique, il joue sur nos peurs innées des prédateurs et de la mort. D’un point de vue zoologique, il met en lumière un animal souvent mal compris et redouté. La culture populaire, avec son imagerie du requin comme un tueur impitoyable (pensons au film Les Dents de la mer), intensifie encore plus la fascination et la terreur ressenties par le spectateur.

Mais au-delà de ces dimensions, The Physical Impossibility of Death in the Mind of Someone Living s’interroge également sur le rôle de l’art. Hirst a fait face à des critiques lorsque le requin original a commencé à se détériorer, posant ainsi la question de la conservation des œuvres d’art contemporaines. Lorsqu’il a remplacé le requin original par un autre, cela a soulevé un débat philosophique : l’œuvre d’art reste-t-elle la même si son objet matériel est remplacé ? Pour Hirst, l’intention de l’artiste prévaut sur l’objet lui-même. Selon lui, l’œuvre demeure la même car l’idée reste inchangée, même si le requin a été remplacé.

Conclusion : Une Méditation sur la Mort et la Perception

En fin de compte, The Physical Impossibility of Death in the Mind of Someone Living ne se contente pas de choquer ou de provoquer. Elle interroge notre relation à la mort, cette réalité que nous ne pouvons comprendre tant que nous sommes vivants. À travers l’utilisation d’un requin réel et menaçant, Hirst nous invite à faire face à nos peurs et à remettre en question nos idées préconçues sur l’art, la beauté et la mort.

En capturant un moment figé entre la vie et la mort, Hirst crée une œuvre qui dépasse les limites de l’esthétique traditionnelle et nous force à contempler l’inévitable : la mort elle-même.

Le 16 décembre 2020, un événement tragique au Bangladesh a profondément marqué mon travail artistique : le viol et le meurtre d’une jeune femme en pleine célébration du Jour de la Victoire. Cette journée, censée symboliser la liberté et la victoire, révèle la cruelle ironie de la condition des femmes dans notre société. Si même en ce jour de fête, les femmes ne sont pas en sécurité, quel sens cela donne-t-il à notre victoire ?

La brutalité des agressions sexuelles et des meurtres de femmes est omniprésente dans les médias, mais rarement suivie de justice. Trop souvent, les victimes sont accusées de leurs propres malheurs à cause de leurs vêtements ou de leur apparence.

Les Bijoux : Beauté et Stigmatisation

Les femmes aiment porter des bijoux pour se sentir belles et s’exprimer. Cependant, dans de nombreuses cultures, elles sont contraintes de renoncer à ces ornements à cause du harcèlement sexuel. Certaines personnes pensent à tort que les femmes se parent pour attirer les hommes, oubliant que la beauté et l’élégance peuvent être des actes de self-care et d’expression personnelle.

Il est important de comprendre que toutes les femmes ne se présentent pas jolies pour attirer les hommes. Même si certaines le font pour un homme spécifique, cela ne signifie pas qu’elles cherchent à attirer tous les hommes. Dans les espaces publics comme les bus ou les marchés, des hommes n’hésitent pas à toucher les parties privées des femmes, ce qui traumatise beaucoup d’entre elles, les poussant à éviter de sortir de chez elles. De nombreuses femmes sont obligées de se voiler et de porter des burqas dès leur jeune âge. Certaines familles pensent que marier les filles tôt peut éviter ce type d’incident.

Dans le sous-continent indien, les bijoux ont aussi une importance économique pour les femmes. Lors des mariages, elles reçoivent des bijoux en or ou en argent, symboles de sécurité financière pour celles qui ne gagnent pas d’argent.

La Réinterprétation des Bijoux par Mon Art

Face à ces injustices, j’ai conçu une collection de bijoux fabriqués à partir de vis, épingles, clous, canettes et céramiques. Ces matières brutes et tranchantes bouleversent l’idée traditionnelle du bijou comme simple accessoire de beauté pour en faire un outil de défense. Ces bijoux ne sont pas jolis mais une armure. À travers mon travail, je propose que les bijoux ne soient pas seulement des ornements, mais aussi des instruments de protection, apportant une sécurité mentale et physique aux femmes.

Dans mon imaginaire, ce n’est pas la femme qui protège ses bijoux, mais elle porte des bijoux pour se protéger, pour se défendre. Personne ne la touche sans son consentement. Aucune femme ne devrait cesser de faire ce qu’elle aime ; elle devrait pouvoir porter la robe qu’elle veut. Personne ne la force à faire quelque chose qu’elle n’aime pas ou à se marier avant d’être préparée physiquement et mentalement.

Inspiration Artistique

Mon œuvre s’inspire de la sculpture de Christelle Familiari, “La Panoplie de Défense”, et des bijoux contemporains de Karl Fritsch. Au FRAC Franche-Comté, j’ai visité une exposition où “La Panoplie de Défense, épaule droite” de Familiari, faite de fil de coton, de perles synthétiques et de pointes en porcelaine, m’a particulièrement touchée par son mélange de fragilité et de forme défensive. Ces artistes m’ont inspirée à imaginer une nouvelle forme de bijou, où la femme ne protège pas ses bijoux, mais se protège avec eux.

La Liberté de Choisir

À travers « Bijoux de Défense », je souhaite que chaque femme puisse choisir librement ce qu’elle veut porter, sans crainte ni jugement. Je ne suis pas contre les vêtements religieux, mais contre l’obligation et la stigmatisation des femmes pour leurs choix vestimentaires. Personne ne devrait être forcé à renoncer à ce qui lui plaît, ni accusé pour son apparence. Mon art est un appel à défendre et à protéger les femmes, à leur permettre de s’exprimer librement et à punir les véritables coupables de la violence et de l’injustice.

Mon aventure avec la gravure a commencé lors de ma deuxième année à l’Institut des Beaux-Arts de Chittagong, où j’ai découvert pour la première fois cet art complexe et fascinant. Bien que ma spécialité à l’époque soit la peinture, l’eau-forte a toujours exercé sur moi une certaine fascination. En tant qu’étudiant en peinture, je n’avais jamais eu l’occasion de m’y essayer concrètement—jusqu’en 2020, lorsque j’ai participé à un programme Erasmus à Dresde.

C’est là que j’ai rencontré Hanif Lehmann, un graveur talentueux qui m’a initié aux aspects pratiques de la gravure. Cette expérience a ravivé ma curiosité endormie et s’est rapidement transformée en une passion, me conduisant à réaliser plusieurs plaques d’eau-forte. Le processus était à la fois difficile et extrêmement gratifiant, me permettant de développer une profonde appréciation pour cet art.

L’eau-forte est une technique de gravure ancienne qui mêle l’art à des processus chimiques pour produire des dessins complexes sur des plaques de métal. Malgré ses origines de la Renaissance, l’eau-forte reste un médium populaire parmi les artistes d’aujourd’hui. Dans ce guide, je vous présenterai les étapes de base de l’eau-forte, des conseils pour choisir les bons matériaux, et partagerai des astuces tirées de mes propres expériences, de la salle de classe à Chittagong aux ateliers de Dresde. Que vous soyez débutant ou simplement curieux, j’espère vous inspirer à explorer le monde captivant de l’eau-forte.

Qu’est-ce que l’Eau-forte ?

L’eau-forte est une technique de gravure en taille-douce qui utilise un acide pour créer des motifs sur une plaque de métal. L’artiste recouvre la plaque d’un vernis résistant à l’acide, puis utilise une aiguille de gravure pour dessiner son design, exposant ainsi le métal sous-jacent. La plaque est ensuite immergée dans un bain d’acide, qui attaque le métal exposé, créant des rainures qui retiennent l’encre. Lorsque la plaque encrée est pressée sur du papier, ces rainures transfèrent le motif, donnant ainsi naissance à une gravure.

Matériaux Essentiels pour l’Eau-forte

Choisir les bons matériaux est crucial pour réussir une eau-forte. Voici un aperçu des principaux éléments nécessaires :

a. Plaques Métalliques

Cuivre : Le cuivre est le choix traditionnel pour l’eau-forte en raison de sa capacité à graver de manière uniforme, à conserver les détails fins et à ne pas altérer la couleur de l’encre. Cependant, il peut être coûteux.

Zinc : Le zinc est une option plus abordable et plus facile à manipuler, ce qui le rend adapté aux débutants. Toutefois, il ne grave pas aussi proprement que le cuivre et peut affecter la couleur de l’encre.

Acier : L’acier est une option durable qui gagne en popularité. Il offre un bon équilibre entre détails et longévité, mais il peut être plus difficile à travailler que le cuivre ou le zinc.

b. Vernis pour Eau-forte

Vernis Dur : Ce revêtement résistant à l’acide est appliqué sur la plaque métallique avant la gravure. Il est généralement composé de cire, de résine ou d’une combinaison des deux. Il est crucial d’assurer une application uniforme pour éviter une gravure inégale.

Vernis Souple : Semblable au vernis dur mais plus souple et collant, il permet de créer des effets texturés et de transférer des motifs ou des objets sur la plaque.

c. Aiguilles et Outils pour Eau-forte

Aiguilles de Gravure : Ces outils sont utilisés pour dessiner le motif sur la plaque en grattant à travers le vernis pour exposer le métal. Différentes tailles d’aiguilles permettent de varier l’épaisseur des lignes.

Outils à Roulette : Ces outils créent des lignes pointillées ou texturées et sont roulés sur la plaque pour ajouter différents effets.

Raclettes et Polissoirs : Ces outils sont utilisés pour corriger les erreurs et affiner la plaque. Une raclette enlève les bavures, tandis qu’un polissoir lisse la surface.

d. Bains d’Acide

Acide Nitrique : Couramment utilisé pour les plaques en zinc, cet acide est puissant et rapide. Il nécessite une manipulation prudente et des précautions de sécurité.

Chlorure Ferrique : Souvent utilisé pour les plaques en cuivre, cet acide est plus sûr et agit plus lentement, offrant un meilleur contrôle sur le processus de gravure.

e. Encres et Matériaux de Nettoyage

Encres pour Eau-forte : Ces encres, très pigmentées, sont conçues pour adhérer aux rainures gravées. Elles se présentent en versions à base d’huile et solubles dans l’eau. Choisissez en fonction de vos préférences et de l’effet que vous souhaitez obtenir.

Tarlatan : Ce tissu en coton fortement amidonné est utilisé pour essuyer l’excès d’encre de la plaque, laissant l’encre uniquement dans les rainures.

f. Presse à Imprimer

Presse à Eau-forte : Une presse traditionnelle utilise des rouleaux lourds pour appliquer une pression uniforme sur la plaque et le papier. Les modèles de bureau, tels que les presses Fome, sont adaptés aux travaux à petite échelle, tandis que les options portables comme la presse Sláma offrent une grande flexibilité et facilité d’utilisation.

g. Papier

Papier pour Eau-forte : Les papiers lourds tels que Somerset ou Fabriano Rosapina sont idéaux pour l’eau-forte. Ces papiers sont durables, absorbent bien l’encre et peuvent résister à la pression de la presse. Les papiers Hahnemühle, fabriqués à partir de cellulose alpha à 100%, sont également excellents en raison de leur sensibilité aux détails.

Processus d’Eau-forte Étape par Étape

Maintenant que vous êtes familiarisé avec les matériaux, plongeons dans le processus de l’eau-forte :

a. Préparation de la Plaque

Polir la Plaque : La première étape du processus de l’eau-forte consiste à préparer la plaque métallique. Cela implique de polir soigneusement la surface pour éliminer toute imperfection, garantissant une base lisse et uniforme pour le design de l’artiste. Une fois polie, la plaque est recouverte d’une couche protectrice appelée vernis, essentielle pour résister à l’acide et protéger les zones qui ne doivent pas être gravées. De plus, il est conseillé de polir les bords de la plaque métallique sous un angle de 45° pour éviter que le papier ne se déchire lors du processus d’impression.

Appliquer le Vernis : Une fois le vernis appliqué, l’artiste peut commencer à graver le design sur la plaque en utilisant une aiguille de gravure. Cette aiguille est un stylet émoussé qui permet un contrôle précis, permettant à l’artiste de créer des détails complexes. Le design peut varier en complexité, allant de lignes simples à des compositions élaborées.

b. Création du Design

Dessiner avec l’Aiguille de Gravure : Utilisez une aiguille de gravure pour gratter votre design dans le vernis, exposant ainsi le métal en dessous. Cette étape permet de créer les détails de votre motif avec précision.

Ajouter des Textures : Employez des roulettes ou d’autres outils pour ajouter des textures et des effets à votre design. Ces outils permettent de créer des nuances variées et des effets visuels intéressants, enrichissant ainsi le rendu final de votre gravure.

c. Gravure de la Plaque

Bain d’Acide : Une fois le design gravé dans le vernis, la plaque est prête pour le bain d’acide. Le type et la concentration de l’acide, ainsi que la durée du bain, sont soigneusement contrôlés pour obtenir l’effet souhaité. L’acide attaque le métal exposé, créant des creux qui retiendront plus tard l’encre. Pour obtenir différentes valeurs tonales, certaines zones de la plaque peuvent être plongées plusieurs fois dans l’acide, tandis que d’autres sont protégées en réappliquant du vernis.

Rinçage et Nettoyage : Après avoir atteint la profondeur désirée, retirez la plaque de l’acide, rincez-la à l’eau, et enlevez le reste du vernis avec un solvant.

d. Encrage et Impression

Encrer la Plaque : Appliquez l’encre pour eau-forte sur l’ensemble de la plaque, en veillant à ce qu’elle remplisse tous les creux.

Essuyer la Surface : Utilisez du tarlatan pour enlever l’excès d’encre, ne laissant l’encre que dans les lignes gravées.

Impression : Placez la plaque encrée sur le plateau de la presse, recouvrez-la de papier humide, et passez-la à travers la presse.

e. Étapes Finales

Inspecter et Répéter : Examinez l’impression pour détecter d’éventuelles imperfections. Vous pouvez re-graver ou re-encrer la plaque si nécessaire pour obtenir le résultat souhaité.

Le Contexte Historique de l’Eau-forte

L’eau-forte possède une riche histoire, remontant à la fin du Moyen Âge. Utilisée initialement par les métallurgistes pour décorer des armures et d’autres objets, elle a été adoptée par des artistes comme Daniel Hopfer d’Augsbourg pour l’impression. Au fil du temps, l’eau-forte est devenue un médium populaire parmi les artistes européens, avec des maîtres tels que Rembrandt et Francisco Goya élevant la technique à de nouveaux sommets.

L’utilisation des plaques de cuivre, courante en Italie, a permis un plus grand détail et des lignes plus fines, permettant à l’eau-forte de rivaliser avec la gravure comme méthode d’impression. Alors que la gravure nécessite une compétence spécialisée avec un burin, l’eau-forte est plus accessible aux artistes formés au dessin, car elle consiste à dessiner le motif dans un vernis plutôt que directement dans le métal.

Mon Expérience avec l’Eau-forte

Ma première expérience avec l’eau-forte à Dresde a été révélatrice. Le processus, bien que méticuleux et chronophage, était extrêmement gratifiant. Voir la première impression sortir de la presse a été un moment de pure satisfaction. La possibilité de créer plusieurs impressions à partir d’une seule plaque a ouvert de nouvelles perspectives pour mon travail, me permettant d’expérimenter avec des variations de ton et de composition.

Conclusion

L’eau-forte est bien plus qu’une simple technique d’impression ; c’est un voyage qui exige patience, compétence et une compréhension approfondie des matériaux. Mon parcours avec l’eau-forte, d’étudiant curieux à artiste praticien, a été marqué par la découverte et l’évolution. Que vous soyez un artiste désireux d’explorer de nouvelles techniques ou un passionné d’art curieux du processus derrière les impressions, l’eau-forte offre un aperçu fascinant du monde de l’impression.

Tout au long de ma vie, ma grand-mère a été une force directrice, façonnant profondément mon parcours personnel et professionnel. Dès mes plus jeunes années, elle a été bien plus qu’un membre de la famille ; elle était une mentore, une conteuse et une source d’inspiration inépuisable. Son influence se reflète dans mon œuvre, notamment à travers une pièce qui rend hommage à sa mémoire et aux moments précieux que nous avons partagés.

La Vierge en Fleurs : Un Hommage en Peinture

Ma peinture, « La Vierge en Fleurs », réalisée en novembre 2015, capte l’essence des histoires racontées par ma grand-mère ainsi que la profonde connexion que nous avions. Cette œuvre représente une femme entourée de fleurs vibrantes, peinte dans un style occidental. L’inspiration de cette peinture provient d’un conte de mon enfance, raconté par ma grand-mère, sur deux sœurs ayant vécu dans notre village. L’une des sœurs, Phool Kumari, dont le nom signifie « Princesse des Fleurs », m’a particulièrement marqué. Son caractère et l’imagerie florale associée ont constitué le fondement de cette œuvre.

Dans les sagas mythologiques, les femmes représentent souvent à la fois la bonté nourricière et la puissance formidable. Elles sont les gardiennes de la vie et de l’harmonie, symbolisant à la fois la beauté et la force. À travers cette peinture, j’ai voulu capturer ces deux aspects, en les intégrant dans une approche artistique occidentale tout en honorant les racines orientales du conte.

Un Jardin de Souvenirs : La Symbolique des Fleurs

Les fleurs occupent une place spéciale dans mon cœur, principalement en raison du temps que j’ai passé à jardiner avec ma grand-mère. Notre maison de village possédait un grand jardin où nous plantions et entretenions une multitude de fleurs. Son amour pour le jardinage était contagieux, et le temps passé parmi les fleurs est devenu un souvenir précieux de mon enfance.

Après son décès en 2018, un symbole durable de sa présence est resté : la fleur Jungle Flame que nous avions plantée ensemble. Cette plante, résistante et magnifique, a continué à prospérer et à fleurir, nous rappelant son esprit persistant. Les fleurs vibrantes qu’elle produit sont comme un rappel quotidien de son amour et de sa présence, et elles continuent d’apporter de la beauté dans nos vies.

Traverser les Continents : Un Hommage Poétique

Lorsque j’ai déménagé en France, la distance avec ma patrie et ma famille a laissé un vide difficile à combler. L’absence de ma grand-mère était profondément ressentie, et sa mémoire est devenue encore plus précieuse. Début 2020, j’ai participé à un atelier d’écriture avec le poète français Guy Boley à l’ISBA et à la Citadelle de Besançon. L’atelier nous a conduits à écrire des poèmes reflétant nos expériences et émotions personnelles. Dans un moment de réflexion, j’ai rédigé un poème qui capture l’essence de mon désir profond pour ma grand-mère et notre ancienne maison.

« Il était une fois une porte »

Il était une fois
Elle a ouvert la porte
Les deux mains tremblaient
Elle avait peur, si quelqu’un la voir
Elle s’est arrêtée pour sa maison.

Il était une fois
Elle est sortie de la maison
Les pieds tremblaient
Elle avait peur si quelqu’un l’attrape
Elle s’est arrêtée pour ses enfants.

Il était une fois
Elle a marché toute seule dans la forêt
Le corps tremblant
Elle avait peur de se perdre
Elle s’est arrêtée pour sa famille.

Il était une fois
Elle a voulu voler
Le cœur tremblant
Elle avait peur de tomber
Un jour, elle est partie secrètement
Elle est partie pour toujours
Elle a vu sa maison, ses enfants, sa famille du ciel.

Ce poème reflète le profond sentiment de perte que j’ai ressenti et ma connexion profonde avec la maison et la famille qui ont défini mon enfance. Ma grand-mère était comme un foyer pour moi, incarnant la chaleur et le confort des matins passés ensemble. Elle se levait avant l’aube pour préparer le thé et ouvrir la porte afin de laisser entrer l’air frais et la lumière du soleil, créant un espace sacré de paix et de chaleur qui me manque énormément.

L’Héritage Qui Se Poursuit

À travers « La Vierge en Fleurs » et le poème que j’ai écrit, je m’efforce d’honorer la mémoire de ma grand-mère et l’impact significatif qu’elle a eu sur ma vie. Chaque coup de pinceau et chaque mot sont un hommage aux histoires qu’elle a partagées, à l’amour qu’elle a donné et à la présence persistante qu’elle garde dans mon cœur. Mon art et mon écriture ne sont pas seulement des expressions de mon parcours personnel, mais aussi un moyen de garder son esprit vivant, en comblant le fossé entre notre passé et notre présent, et en veillant à ce que son héritage continue de fleurir sur la toile de ma vie.

En septembre 2018, j’ai entamé un nouveau chapitre de mon parcours artistique en tant qu’étudiante en deuxième année à l’Institut des Beaux-Arts de Besançon (ISBA). Cette expérience a marqué un tournant significatif par rapport au programme que j’avais suivi à l’Institut des Beaux-Arts de Chittagong, où j’avais obtenu mes diplômes de licence et de master en peinture. L’approche éducative à l’ISBA, différente et stimulante, a éveillé en moi une curiosité qui m’a poussée à explorer de nouvelles possibilités artistiques. Désireuse d’enrichir mes connaissances et mes compétences, j’ai rejoint le cours de dessin de Géraldine Pastor Lloret, avec l’espoir de découvrir des perspectives et des techniques nouvelles pour nourrir mon travail.

S’inspirer des Maîtres au Musée de Besançon

Dans le cadre de ce cours de dessin, un groupe d’étudiants et moi-même avons déplacé notre pratique artistique hors de l’atelier pour l’installer au Musée de Besançon. Là, nous avons puisé notre inspiration dans les œuvres des maîtres anciens, utilisant leurs chefs-d’œuvre comme fondement de notre exploration créative. J’ai été captivée par la richesse historique et les détails minutieux des œuvres exposées au musée. C’est dans cet environnement que j’ai commencé à réaliser une série de dessins sur des morceaux de marbre brisé, un support qui m’intriguait par sa texture et son symbolisme d’une histoire fragmentée.

Mon travail durant cette période était varié et reflétait l’évolution de mes intérêts artistiques. Je me suis concentrée sur plusieurs thèmes, dont la continuation de mes premières explorations des chevelures en lien avec les œuvres du musée, l’étude des drapés, ainsi que la représentation de visages et de corps intégrant des objets réels comme des chaussettes et des gants. J’ai également travaillé sur le motif des barques, les dessinant en relation avec la collection du musée. Ces œuvres représentaient une continuité de mes études de deuxième année, en particulier mon exploration de la dentelle/drapé et du modèle vivant.

L’Influence des Portraits de Famille et des Figures Féminines

En tant qu’étudiante étrangère, loin de ma famille, j’ai été profondément touchée par un portrait de famille exposé au musée. Cette œuvre m’a émue sur le plan personnel, m’incitant à dessiner de petits détails du tableau, notamment les vêtements et accessoires des personnages représentés. En tant qu’artiste féminine, la représentation des femmes a toujours occupé une place importante dans mon travail. Cette influence s’est manifestée par la création d’un portrait féminin inspiré de plusieurs peintures et sculptures du musée. J’ai choisi de représenter ces femmes sans visage, ajoutant des objets trouvés au cours de mes promenades quotidiennes à Besançon pour infuser mes dessins d’un sens de lieu et de narration.

L’un de mes travaux les plus marquants de cette période consistait en la réinterprétation d’un portrait de mère et enfant. J’ai recréé la figure de la mère et, pour représenter l’enfant, j’ai collé un gant trouvé, symbole poignant de la présence de l’enfant. Dans une autre pièce, inspirée par le nu de Henri Matisse, j’ai intégré un peigne trouvé, que j’ai attaché au dessin de la figure féminine en train de se coiffer. Ces œuvres reflétaient mon engagement profond envers la collection du musée et mon désir de connecter ces pièces historiques avec les objets du quotidien que je rencontrais dans ma vie.

Le Chemin vers « Infiniment » et l’Impact de la COVID-19

Le cours de dessin s’est avéré être une expérience des plus enrichissantes, nourrie par l’encouragement et l’inspiration offerts par le professeur Lloret. Mon enthousiasme m’a conduit à créer de nombreux dessins dans divers médiums, tels que des esquisses au crayon, des dessins à la plume, des aquarelles et du fusain. L’effort collectif et la créativité de notre groupe n’ont pas échappé à l’attention du directeur du musée. Impressionné par notre travail, il nous a proposé d’organiser une exposition au sein du musée — une proposition qui nous a remplis d’excitation et d’un nouvel élan.

Cependant, nos plans ont rapidement été bouleversés par l’émergence de la pandémie de COVID-19. Le musée a été contraint de fermer ses portes et notre exposition a été reportée. Malgré ces défis, nous sommes restés résilients, poursuivant notre travail sur nos dessins avec une détermination sans faille. Cette période prolongée d’incertitude n’a fait que renforcer notre volonté de voir nos efforts aboutir.

L’Inauguration de « Infiniment »

Enfin, en octobre 2021, notre persévérance a été récompensée par l’ouverture de notre exposition au Musée des Beaux-Arts de Besançon. Intitulée « Infiniment », l’exposition reflétait l’énergie et la créativité inépuisables qui nous avaient animés tout au long de la pandémie. Le titre symbolisait également la continuité de notre parcours artistique — un processus qui, malgré les retards et les obstacles, n’avait jamais vraiment pris fin.

Participer à cette exposition a été une expérience particulièrement significative pour moi, car c’était ma première fois d’exposer dans un musée. En tant qu’étudiante en Beaux-Arts, cette opportunité était à la fois prestigieuse et cruciale, m’offrant une plateforme pour partager mon travail avec un public plus large et pour être reconnue en tant qu’artiste dans une institution culturelle de renom.

« Infiniment » n’était pas simplement une exposition; c’était un témoignage de la puissance de la persévérance, de la collaboration et de la nature infinie de l’exploration créative. Le défi de sélectionner quelques œuvres parmi une vaste collection de dessins a été difficile, mais il a souligné la richesse du parcours artistique que nous avions tous entrepris. Cette exposition a été un jalon dans ma carrière artistique, et elle continuera d’inspirer mon travail pendant de nombreuses années.

En tant que Bangladais, ma connexion avec les bateaux et les rivières est profondément ancrée dans mon identité. Le Bangladesh, avec son dédale de rivières—plus de 700 selon certaines sources historiques—a nourri une culture où les bateaux ne sont pas seulement un moyen de transport, mais un symbole de vie, de tradition, et de survie. Ces rivières, aux noms aussi poétiques que leurs eaux mouvantes, ont façonné notre terre et notre peuple. Les bateaux, nommés avec autant de soin et de poésie, sont bien plus que de simples embarcations—ils font partie de notre âme collective.

La Barque Lune : Un Symbole du Patrimoine Naval de Chittagong

Parmi la multitude de types de bateaux qui ont sillonné nos rivières et nos mers, la Barque Lune occupe une place particulière dans mon cœur, surtout en raison de son origine dans ma ville natale, Chittagong. La Barque Lune, avec sa forme élégante en croissant, est bien plus qu’un simple bateau de pêche; elle reflète le rythme de la vie au bord du golfe du Bengale. Ces bateaux, conçus pour affronter les vagues impétueuses de la mer profonde et les voyages vers les îles, incarnent la résilience et l’ingéniosité des pêcheurs locaux. La beauté de leur design, à la fois fonctionnel et artistique, m’a inspiré à explorer ce motif dans mon travail artistique à travers divers médiums—dessin, peinture, gravure sur linoléum, et plus encore.

Yves Marre et son Inoubliable Contribution

Ma fascination pour les bateaux a pris une tournure profonde lorsque j’ai lu pour la première fois, à l’âge de dix ans, un article sur Yves Marre et son travail extraordinaire au Bangladesh. L’histoire de son périple en barge fluviale depuis la France jusqu’au Bangladesh, transformée par la suite en hôpital flottant « Friendship« , m’a laissé une impression durable. C’était un acte de générosité et d’innovation qui reflétait l’esprit même de mon pays—un lieu où l’eau, bien qu’étant une source de vie, peut aussi être une source de difficultés.

En 2017, alors étudiant à l’Alliance Française, j’ai eu la chance incroyable de rencontrer Yves Marre en personne. J’ai lu un passage lors du lancement de son livre, un moment qui a lié mon admiration d’enfant à mes aspirations d’adulte. Yves Marre n’est pas seulement un philanthrope; c’est une âme bienveillante dont le travail pour préserver le patrimoine naval du Bangladesh et fournir des soins de santé aux communautés fluviales les plus isolées est tout simplement inspirant. Notre amitié continue est un trésor pour moi, et son influence est une source de lumière dans mon propre parcours artistique.

Préserver la Barque Lune : Un Patrimoine en Péril

La Barque Lune, comme l’a dit Yves Marre lui-même, est l’un des bateaux les plus remarquables et typiques du golfe du Bengale. Cependant, comme beaucoup d’artisanats traditionnels, l’art de construire ces bateaux risque de disparaître. En 2013, grâce aux efforts conjoints de Watever, du chantier naval TaraTari et de l’agence photo Zeppelin, un projet a été lancé pour préserver les connaissances et techniques de construction des Barques Lune. Cinq charpentiers qualifiés de Cox’s Bazar ont été invités au chantier naval TaraTari, où leur savoir-faire a été méticuleusement documenté. Cet effort de préservation garantit que les générations futures pourront continuer à construire ces magnifiques embarcations, maintenant ainsi la tradition vivante.

Depuis 2014, la Barque Lune est présentée en France dans le cadre d’efforts visant à mettre en valeur le riche patrimoine naval du Bangladesh. Cette reconnaissance internationale de nos bateaux traditionnels n’est pas seulement une reconnaissance de leur design unique, mais aussi un hommage à leur signification culturelle profonde.

Yves Marre disait à propos du moon boat : « Ce bateau, dont la beauté n’a d’égale que sa rareté, est l’un des plus remarquables et des plus typiques du golfe du Bengale ».

Les Bateaux dans Mon Art : Une Exploration Continue

Dans mon travail artistique, la Barque Lune est plus qu’un simple sujet; elle est un symbole de connexion à ma patrie, aux rivières qui la traversent, et aux personnes qui ont vécu au fil de l’eau pendant des siècles. Mes représentations de la Barque Lune sous diverses formes artistiques sont un hommage à ce patrimoine, une manière de garder vivants les récits de nos rivières et de nos bateaux dans un monde en perpétuel changement.

Les rivières du Bangladesh ne sont pas de simples caractéristiques géographiques; elles sont le cœur battant de notre nation. Les bateaux qui les naviguent ne sont pas de simples outils mais des vecteurs de culture, d’histoire et d’identité. À travers mon art, j’espère transmettre l’importance de préserver ce riche patrimoine, de célébrer la beauté de nos bateaux traditionnels, et de rendre hommage au travail de ceux, comme Yves Marre, qui se sont dévoués à la sauvegarde de notre héritage culturel.

Au cœur de la ville de Besançon, une association singulière émerge pour transformer l’espace public en un terrain d’expression artistique : Juste Ici. Fondée en 2011, cette association a pour mission de soutenir la création artistique contemporaine dans l’espace public. En proposant une vision unique où l’art devient accessible à tous, elle joue un rôle clé dans la dynamisation culturelle de Besançon et de ses environs.

Bien Urbain : Un Festival d’Art dans (et avec) l’Espace Public

L’une des initiatives phares de Juste Ici est le festival Bien Urbain. Créé la même année que l’association, ce festival se tient tous les ans jusqu’en 2022, puis une année sur deux à partir de 2022, et est devenu un événement incontournable pour les amateurs d’art contemporain. Bien Urbain propose à une quinzaine d’artistes internationaux de créer des œuvres originales, contextuelles, et surtout, accessibles à tous dans l’espace public. Ces œuvres, qu’elles soient des sculptures, des peintures murales, des créations multimédias ou des illustrations, transforment la ville en un véritable musée à ciel ouvert.

Pendant mon séjour à Besançon entre 2018 et 2023, j’ai eu la chance de découvrir les créations de ces artistes à travers des cours à l’université et des visites guidées organisées par Juste Ici. Ces expériences m’ont ouvert les yeux sur l’importance de l’art dans la vie urbaine et sur la manière dont il peut transformer notre regard sur notre environnement quotidien.

La Friche Artistique : Un Laboratoire de Création

Une autre initiative marquante de Juste Ici est la gestion de la Friche Artistique de Besançon, un espace dédié à la création et à l’expérimentation. Lors de ma licence professionnelle (LP METI) à l’université de Franche-Comté en 2022-2023, j’ai eu l’occasion de visiter ce lieu inspirant en compagnie de mes camarades et sous la direction de David Demougeot, directeur artistique de Juste Ici. La Friche est un espace où artistes locaux et internationaux peuvent se rencontrer, échanger et créer. C’est également un lieu où l’histoire et l’architecture de Besançon sont constamment réinterprétées à travers l’art.

Engagement Citoyen et Participation Collective

Juste Ici ne se contente pas de produire de l’art, elle engage également les habitants de Besançon dans des projets collectifs. Les Ateliers Juste Ici, par exemple, sont des initiatives visant à impliquer les habitants des quartiers de Planoise et Clairs-Soleils dans la création artistique. Ces ateliers permettent aux participants de s’approprier leur espace public en y intégrant des créations collectives, que ce soit par la rédaction d’un journal mural ou par l’aménagement d’espaces publics.

En parallèle, Juste Ici mène des actions éducatives en invitant des artistes à intervenir dans les écoles et établissements spécialisés. Ces résidences artistiques permettent aux élèves de découvrir l’art contextuel en rencontrant des artistes et en pratiquant eux-mêmes l’art dans leur environnement. Cette démarche vise à éveiller la curiosité des jeunes, à encourager leur créativité, et à les sensibiliser à l’importance de l’art dans l’espace public.

La Biennale 2025 : Une Nouvelle Édition à Ne Pas Manquer

Depuis sa création, le festival Bien Urbain a vu la réalisation de 422 œuvres par 162 artistes et collectifs issus de 25 nationalités. Ces œuvres, disséminées entre Besançon, Osselle et Saint-Vit, ont contribué à renforcer l’identité culturelle de la région. Alors que le festival est devenu une biennale, la prochaine édition est prévue pour juin 2025. Cet événement promet d’être une nouvelle fois un moment fort de rencontre entre l’art et le public, avec des œuvres qui continueront à surprendre, questionner et émouvoir.

Conclusion

Juste Ici est bien plus qu’une simple association ; c’est un moteur de transformation urbaine et sociale. Grâce à son engagement dans la création artistique en espace public, elle redonne vie à des quartiers entiers, tout en offrant aux habitants et aux visiteurs une nouvelle manière de percevoir la ville. Le festival Bien Urbain, véritable vitrine de cet engagement, est un rendez-vous incontournable pour tous ceux qui souhaitent explorer la richesse de l’art contemporain dans un cadre accessible et ouvert à tous. En attendant la prochaine édition en 2025, Besançon continue de vibrer au rythme des créations passées, présentes et futures.