Un Aperçu du PK Sen Bhaban

Construit dans les années 1920 par le zamindar Prasanna Kumar Sen, le PK Sen Bhaban est un témoignage de l’héritage architectural de Chittagong. Son design unique mêle des éléments des temples hindous, des motifs islamiques et des influences gothiques européennes. Bien que le bâtiment ne compte que quatre étages, le dôme et les minarets imposants donnent l’illusion de sept étages, faisant de lui l’un des édifices les plus hauts de Chittagong à l’époque coloniale.

Ses larges fenêtres, ses ventilateurs géométriques et sa structure hexagonale se démarquent dans le paysage architectural traditionnel sud-asiatique. Avec plus de 40 pièces et deux escaliers majestueux, ce bâtiment reflète le statut et la vision généreuse de PK Sen, un commerçant prospère de riz et d’huile.

L’Expérience de la Résidence URONTO

En 2016, l’équipe URONTO a choisi le PK Sen Bhaban pour la cinquième saison de son exploration artistique. Ce projet a réuni des artistes nationaux et internationaux qui ont réinterprété l’essence du bâtiment à travers des expressions créatives. Parmi les participants figuraient des artistes d’Inde, du Brésil, de Hong Kong et du Bangladesh, ainsi que des étudiants de l’Institut des Beaux-Arts de Chittagong.

Ce qui rend cette résidence unique, c’est que le bâtiment n’était pas abandonné. Il abritait encore des locataires, dont des membres de la famille Ghosh, les propriétaires actuels. Cette interaction vivante avec l’histoire du lieu a offert une expérience artistique enrichissante et inédite.

L’Héritage du PK Sen Bhaban

Au-delà de son éclat architectural, le PK Sen Bhaban est un témoin silencieux de l’histoire en constante évolution de Chittagong. Lors de la Partition de 1947, PK Sen a vendu le bâtiment à Sadananda Ghosh. Les décennies suivantes ont vu la structure affronter de nombreuses épreuves, notamment les ravages de la guerre de libération en 1971, qui a laissé le bâtiment marqué par des fenêtres brisées et des pertes humaines tragiques.

Malgré ces épreuves, le bâtiment continue de se dresser, symbole de résilience. Cependant, son histoire riche est éclipsée par des décennies de négligence. Des plâtres qui s’effondrent, des escaliers abîmés et un manque d’entretien menacent sa survie.

Les Défis de la Préservation

Les efforts pour préserver le PK Sen Bhaban ont été sporadiques et largement inefficaces. Bien que l’Autorité de Développement de Chittagong reconnaisse la valeur culturelle du bâtiment, les obstacles bureaucratiques et les contraintes financières ont entravé toute initiative concrète de restauration. Frustrés, les propriétaires actuels ont envisagé de démolir la structure pour céder la place à de nouveaux développements.

Cependant, des urbanistes comme Zarina Hossain et des architectes comme Huda Mohammed Faisal ont souligné la rareté architecturale de ce bâtiment. Leur plaidoyer met en lumière l’urgence d’une action immédiate pour préserver ce site patrimonial irremplaçable.

Un Appel à l’Action

La négligence envers le PK Sen Bhaban reflète un problème plus vaste : la sous-évaluation des bâtiments patrimoniaux au Bangladesh. Ces structures ne sont pas de simples vestiges du passé ; elles sont des liens vivants avec notre histoire et notre identité. Parcourir les escaliers labyrinthiques et contempler les designs complexes m’a empli d’une fierté immense et d’une profonde tristesse.

Le gouvernement, les autorités locales et les organisations patrimoniales doivent collaborer pour restaurer et préserver le PK Sen Bhaban. Des campagnes de sensibilisation, des subventions pour la restauration et une inclusion dans le tourisme patrimonial pourraient redonner vie à ce joyau architectural.

Conclusion

Ma visite au PK Sen Bhaban a été une expérience transformative. Elle a approfondi mon appréciation pour le patrimoine de Chittagong et renforcé l’urgence de le préserver pour les générations futures. Bien que la splendeur du PK Sen Bhaban se soit estompée avec le temps, son esprit perdure.

En unissant nos efforts et en adoptant une nouvelle responsabilité, nous pouvons garantir que des structures comme le PK Sen Bhaban demeurent debout, non pas comme des ruines du passé, mais comme des monuments fiers de notre histoire commune.

Tout au long de ma vie, ma grand-mère a été une force directrice, façonnant profondément mon parcours personnel et professionnel. Dès mes plus jeunes années, elle a été bien plus qu’un membre de la famille ; elle était une mentore, une conteuse et une source d’inspiration inépuisable. Son influence se reflète dans mon œuvre, notamment à travers une pièce qui rend hommage à sa mémoire et aux moments précieux que nous avons partagés.

La Vierge en Fleurs : Un Hommage en Peinture

Ma peinture, « La Vierge en Fleurs », réalisée en novembre 2015, capte l’essence des histoires racontées par ma grand-mère ainsi que la profonde connexion que nous avions. Cette œuvre représente une femme entourée de fleurs vibrantes, peinte dans un style occidental. L’inspiration de cette peinture provient d’un conte de mon enfance, raconté par ma grand-mère, sur deux sœurs ayant vécu dans notre village. L’une des sœurs, Phool Kumari, dont le nom signifie « Princesse des Fleurs », m’a particulièrement marqué. Son caractère et l’imagerie florale associée ont constitué le fondement de cette œuvre.

Dans les sagas mythologiques, les femmes représentent souvent à la fois la bonté nourricière et la puissance formidable. Elles sont les gardiennes de la vie et de l’harmonie, symbolisant à la fois la beauté et la force. À travers cette peinture, j’ai voulu capturer ces deux aspects, en les intégrant dans une approche artistique occidentale tout en honorant les racines orientales du conte.

Un Jardin de Souvenirs : La Symbolique des Fleurs

Les fleurs occupent une place spéciale dans mon cœur, principalement en raison du temps que j’ai passé à jardiner avec ma grand-mère. Notre maison de village possédait un grand jardin où nous plantions et entretenions une multitude de fleurs. Son amour pour le jardinage était contagieux, et le temps passé parmi les fleurs est devenu un souvenir précieux de mon enfance.

Après son décès en 2018, un symbole durable de sa présence est resté : la fleur Jungle Flame que nous avions plantée ensemble. Cette plante, résistante et magnifique, a continué à prospérer et à fleurir, nous rappelant son esprit persistant. Les fleurs vibrantes qu’elle produit sont comme un rappel quotidien de son amour et de sa présence, et elles continuent d’apporter de la beauté dans nos vies.

Traverser les Continents : Un Hommage Poétique

Lorsque j’ai déménagé en France, la distance avec ma patrie et ma famille a laissé un vide difficile à combler. L’absence de ma grand-mère était profondément ressentie, et sa mémoire est devenue encore plus précieuse. Début 2020, j’ai participé à un atelier d’écriture avec le poète français Guy Boley à l’ISBA et à la Citadelle de Besançon. L’atelier nous a conduits à écrire des poèmes reflétant nos expériences et émotions personnelles. Dans un moment de réflexion, j’ai rédigé un poème qui capture l’essence de mon désir profond pour ma grand-mère et notre ancienne maison.

« Il était une fois une porte »

Il était une fois
Elle a ouvert la porte
Les deux mains tremblaient
Elle avait peur, si quelqu’un la voir
Elle s’est arrêtée pour sa maison.

Il était une fois
Elle est sortie de la maison
Les pieds tremblaient
Elle avait peur si quelqu’un l’attrape
Elle s’est arrêtée pour ses enfants.

Il était une fois
Elle a marché toute seule dans la forêt
Le corps tremblant
Elle avait peur de se perdre
Elle s’est arrêtée pour sa famille.

Il était une fois
Elle a voulu voler
Le cœur tremblant
Elle avait peur de tomber
Un jour, elle est partie secrètement
Elle est partie pour toujours
Elle a vu sa maison, ses enfants, sa famille du ciel.

Ce poème reflète le profond sentiment de perte que j’ai ressenti et ma connexion profonde avec la maison et la famille qui ont défini mon enfance. Ma grand-mère était comme un foyer pour moi, incarnant la chaleur et le confort des matins passés ensemble. Elle se levait avant l’aube pour préparer le thé et ouvrir la porte afin de laisser entrer l’air frais et la lumière du soleil, créant un espace sacré de paix et de chaleur qui me manque énormément.

L’Héritage Qui Se Poursuit

À travers « La Vierge en Fleurs » et le poème que j’ai écrit, je m’efforce d’honorer la mémoire de ma grand-mère et l’impact significatif qu’elle a eu sur ma vie. Chaque coup de pinceau et chaque mot sont un hommage aux histoires qu’elle a partagées, à l’amour qu’elle a donné et à la présence persistante qu’elle garde dans mon cœur. Mon art et mon écriture ne sont pas seulement des expressions de mon parcours personnel, mais aussi un moyen de garder son esprit vivant, en comblant le fossé entre notre passé et notre présent, et en veillant à ce que son héritage continue de fleurir sur la toile de ma vie.

En septembre 2018, j’ai entamé un nouveau chapitre de mon parcours artistique en tant qu’étudiante en deuxième année à l’Institut des Beaux-Arts de Besançon (ISBA). Cette expérience a marqué un tournant significatif par rapport au programme que j’avais suivi à l’Institut des Beaux-Arts de Chittagong, où j’avais obtenu mes diplômes de licence et de master en peinture. L’approche éducative à l’ISBA, différente et stimulante, a éveillé en moi une curiosité qui m’a poussée à explorer de nouvelles possibilités artistiques. Désireuse d’enrichir mes connaissances et mes compétences, j’ai rejoint le cours de dessin de Géraldine Pastor Lloret, avec l’espoir de découvrir des perspectives et des techniques nouvelles pour nourrir mon travail.

S’inspirer des Maîtres au Musée de Besançon

Dans le cadre de ce cours de dessin, un groupe d’étudiants et moi-même avons déplacé notre pratique artistique hors de l’atelier pour l’installer au Musée de Besançon. Là, nous avons puisé notre inspiration dans les œuvres des maîtres anciens, utilisant leurs chefs-d’œuvre comme fondement de notre exploration créative. J’ai été captivée par la richesse historique et les détails minutieux des œuvres exposées au musée. C’est dans cet environnement que j’ai commencé à réaliser une série de dessins sur des morceaux de marbre brisé, un support qui m’intriguait par sa texture et son symbolisme d’une histoire fragmentée.

Mon travail durant cette période était varié et reflétait l’évolution de mes intérêts artistiques. Je me suis concentrée sur plusieurs thèmes, dont la continuation de mes premières explorations des chevelures en lien avec les œuvres du musée, l’étude des drapés, ainsi que la représentation de visages et de corps intégrant des objets réels comme des chaussettes et des gants. J’ai également travaillé sur le motif des barques, les dessinant en relation avec la collection du musée. Ces œuvres représentaient une continuité de mes études de deuxième année, en particulier mon exploration de la dentelle/drapé et du modèle vivant.

L’Influence des Portraits de Famille et des Figures Féminines

En tant qu’étudiante étrangère, loin de ma famille, j’ai été profondément touchée par un portrait de famille exposé au musée. Cette œuvre m’a émue sur le plan personnel, m’incitant à dessiner de petits détails du tableau, notamment les vêtements et accessoires des personnages représentés. En tant qu’artiste féminine, la représentation des femmes a toujours occupé une place importante dans mon travail. Cette influence s’est manifestée par la création d’un portrait féminin inspiré de plusieurs peintures et sculptures du musée. J’ai choisi de représenter ces femmes sans visage, ajoutant des objets trouvés au cours de mes promenades quotidiennes à Besançon pour infuser mes dessins d’un sens de lieu et de narration.

L’un de mes travaux les plus marquants de cette période consistait en la réinterprétation d’un portrait de mère et enfant. J’ai recréé la figure de la mère et, pour représenter l’enfant, j’ai collé un gant trouvé, symbole poignant de la présence de l’enfant. Dans une autre pièce, inspirée par le nu de Henri Matisse, j’ai intégré un peigne trouvé, que j’ai attaché au dessin de la figure féminine en train de se coiffer. Ces œuvres reflétaient mon engagement profond envers la collection du musée et mon désir de connecter ces pièces historiques avec les objets du quotidien que je rencontrais dans ma vie.

Le Chemin vers « Infiniment » et l’Impact de la COVID-19

Le cours de dessin s’est avéré être une expérience des plus enrichissantes, nourrie par l’encouragement et l’inspiration offerts par le professeur Lloret. Mon enthousiasme m’a conduit à créer de nombreux dessins dans divers médiums, tels que des esquisses au crayon, des dessins à la plume, des aquarelles et du fusain. L’effort collectif et la créativité de notre groupe n’ont pas échappé à l’attention du directeur du musée. Impressionné par notre travail, il nous a proposé d’organiser une exposition au sein du musée — une proposition qui nous a remplis d’excitation et d’un nouvel élan.

Cependant, nos plans ont rapidement été bouleversés par l’émergence de la pandémie de COVID-19. Le musée a été contraint de fermer ses portes et notre exposition a été reportée. Malgré ces défis, nous sommes restés résilients, poursuivant notre travail sur nos dessins avec une détermination sans faille. Cette période prolongée d’incertitude n’a fait que renforcer notre volonté de voir nos efforts aboutir.

L’Inauguration de « Infiniment »

Enfin, en octobre 2021, notre persévérance a été récompensée par l’ouverture de notre exposition au Musée des Beaux-Arts de Besançon. Intitulée « Infiniment », l’exposition reflétait l’énergie et la créativité inépuisables qui nous avaient animés tout au long de la pandémie. Le titre symbolisait également la continuité de notre parcours artistique — un processus qui, malgré les retards et les obstacles, n’avait jamais vraiment pris fin.

Participer à cette exposition a été une expérience particulièrement significative pour moi, car c’était ma première fois d’exposer dans un musée. En tant qu’étudiante en Beaux-Arts, cette opportunité était à la fois prestigieuse et cruciale, m’offrant une plateforme pour partager mon travail avec un public plus large et pour être reconnue en tant qu’artiste dans une institution culturelle de renom.

« Infiniment » n’était pas simplement une exposition; c’était un témoignage de la puissance de la persévérance, de la collaboration et de la nature infinie de l’exploration créative. Le défi de sélectionner quelques œuvres parmi une vaste collection de dessins a été difficile, mais il a souligné la richesse du parcours artistique que nous avions tous entrepris. Cette exposition a été un jalon dans ma carrière artistique, et elle continuera d’inspirer mon travail pendant de nombreuses années.

En tant que Bangladais, ma connexion avec les bateaux et les rivières est profondément ancrée dans mon identité. Le Bangladesh, avec son dédale de rivières—plus de 700 selon certaines sources historiques—a nourri une culture où les bateaux ne sont pas seulement un moyen de transport, mais un symbole de vie, de tradition, et de survie. Ces rivières, aux noms aussi poétiques que leurs eaux mouvantes, ont façonné notre terre et notre peuple. Les bateaux, nommés avec autant de soin et de poésie, sont bien plus que de simples embarcations—ils font partie de notre âme collective.

La Barque Lune : Un Symbole du Patrimoine Naval de Chittagong

Parmi la multitude de types de bateaux qui ont sillonné nos rivières et nos mers, la Barque Lune occupe une place particulière dans mon cœur, surtout en raison de son origine dans ma ville natale, Chittagong. La Barque Lune, avec sa forme élégante en croissant, est bien plus qu’un simple bateau de pêche; elle reflète le rythme de la vie au bord du golfe du Bengale. Ces bateaux, conçus pour affronter les vagues impétueuses de la mer profonde et les voyages vers les îles, incarnent la résilience et l’ingéniosité des pêcheurs locaux. La beauté de leur design, à la fois fonctionnel et artistique, m’a inspiré à explorer ce motif dans mon travail artistique à travers divers médiums—dessin, peinture, gravure sur linoléum, et plus encore.

Yves Marre et son Inoubliable Contribution

Ma fascination pour les bateaux a pris une tournure profonde lorsque j’ai lu pour la première fois, à l’âge de dix ans, un article sur Yves Marre et son travail extraordinaire au Bangladesh. L’histoire de son périple en barge fluviale depuis la France jusqu’au Bangladesh, transformée par la suite en hôpital flottant « Friendship« , m’a laissé une impression durable. C’était un acte de générosité et d’innovation qui reflétait l’esprit même de mon pays—un lieu où l’eau, bien qu’étant une source de vie, peut aussi être une source de difficultés.

En 2017, alors étudiant à l’Alliance Française, j’ai eu la chance incroyable de rencontrer Yves Marre en personne. J’ai lu un passage lors du lancement de son livre, un moment qui a lié mon admiration d’enfant à mes aspirations d’adulte. Yves Marre n’est pas seulement un philanthrope; c’est une âme bienveillante dont le travail pour préserver le patrimoine naval du Bangladesh et fournir des soins de santé aux communautés fluviales les plus isolées est tout simplement inspirant. Notre amitié continue est un trésor pour moi, et son influence est une source de lumière dans mon propre parcours artistique.

Préserver la Barque Lune : Un Patrimoine en Péril

La Barque Lune, comme l’a dit Yves Marre lui-même, est l’un des bateaux les plus remarquables et typiques du golfe du Bengale. Cependant, comme beaucoup d’artisanats traditionnels, l’art de construire ces bateaux risque de disparaître. En 2013, grâce aux efforts conjoints de Watever, du chantier naval TaraTari et de l’agence photo Zeppelin, un projet a été lancé pour préserver les connaissances et techniques de construction des Barques Lune. Cinq charpentiers qualifiés de Cox’s Bazar ont été invités au chantier naval TaraTari, où leur savoir-faire a été méticuleusement documenté. Cet effort de préservation garantit que les générations futures pourront continuer à construire ces magnifiques embarcations, maintenant ainsi la tradition vivante.

Depuis 2014, la Barque Lune est présentée en France dans le cadre d’efforts visant à mettre en valeur le riche patrimoine naval du Bangladesh. Cette reconnaissance internationale de nos bateaux traditionnels n’est pas seulement une reconnaissance de leur design unique, mais aussi un hommage à leur signification culturelle profonde.

Yves Marre disait à propos du moon boat : « Ce bateau, dont la beauté n’a d’égale que sa rareté, est l’un des plus remarquables et des plus typiques du golfe du Bengale ».

Les Bateaux dans Mon Art : Une Exploration Continue

Dans mon travail artistique, la Barque Lune est plus qu’un simple sujet; elle est un symbole de connexion à ma patrie, aux rivières qui la traversent, et aux personnes qui ont vécu au fil de l’eau pendant des siècles. Mes représentations de la Barque Lune sous diverses formes artistiques sont un hommage à ce patrimoine, une manière de garder vivants les récits de nos rivières et de nos bateaux dans un monde en perpétuel changement.

Les rivières du Bangladesh ne sont pas de simples caractéristiques géographiques; elles sont le cœur battant de notre nation. Les bateaux qui les naviguent ne sont pas de simples outils mais des vecteurs de culture, d’histoire et d’identité. À travers mon art, j’espère transmettre l’importance de préserver ce riche patrimoine, de célébrer la beauté de nos bateaux traditionnels, et de rendre hommage au travail de ceux, comme Yves Marre, qui se sont dévoués à la sauvegarde de notre héritage culturel.

Au cœur de la ville de Besançon, une association singulière émerge pour transformer l’espace public en un terrain d’expression artistique : Juste Ici. Fondée en 2011, cette association a pour mission de soutenir la création artistique contemporaine dans l’espace public. En proposant une vision unique où l’art devient accessible à tous, elle joue un rôle clé dans la dynamisation culturelle de Besançon et de ses environs.

Bien Urbain : Un Festival d’Art dans (et avec) l’Espace Public

L’une des initiatives phares de Juste Ici est le festival Bien Urbain. Créé la même année que l’association, ce festival se tient tous les ans jusqu’en 2022, puis une année sur deux à partir de 2022, et est devenu un événement incontournable pour les amateurs d’art contemporain. Bien Urbain propose à une quinzaine d’artistes internationaux de créer des œuvres originales, contextuelles, et surtout, accessibles à tous dans l’espace public. Ces œuvres, qu’elles soient des sculptures, des peintures murales, des créations multimédias ou des illustrations, transforment la ville en un véritable musée à ciel ouvert.

Pendant mon séjour à Besançon entre 2018 et 2023, j’ai eu la chance de découvrir les créations de ces artistes à travers des cours à l’université et des visites guidées organisées par Juste Ici. Ces expériences m’ont ouvert les yeux sur l’importance de l’art dans la vie urbaine et sur la manière dont il peut transformer notre regard sur notre environnement quotidien.

La Friche Artistique : Un Laboratoire de Création

Une autre initiative marquante de Juste Ici est la gestion de la Friche Artistique de Besançon, un espace dédié à la création et à l’expérimentation. Lors de ma licence professionnelle (LP METI) à l’université de Franche-Comté en 2022-2023, j’ai eu l’occasion de visiter ce lieu inspirant en compagnie de mes camarades et sous la direction de David Demougeot, directeur artistique de Juste Ici. La Friche est un espace où artistes locaux et internationaux peuvent se rencontrer, échanger et créer. C’est également un lieu où l’histoire et l’architecture de Besançon sont constamment réinterprétées à travers l’art.

Engagement Citoyen et Participation Collective

Juste Ici ne se contente pas de produire de l’art, elle engage également les habitants de Besançon dans des projets collectifs. Les Ateliers Juste Ici, par exemple, sont des initiatives visant à impliquer les habitants des quartiers de Planoise et Clairs-Soleils dans la création artistique. Ces ateliers permettent aux participants de s’approprier leur espace public en y intégrant des créations collectives, que ce soit par la rédaction d’un journal mural ou par l’aménagement d’espaces publics.

En parallèle, Juste Ici mène des actions éducatives en invitant des artistes à intervenir dans les écoles et établissements spécialisés. Ces résidences artistiques permettent aux élèves de découvrir l’art contextuel en rencontrant des artistes et en pratiquant eux-mêmes l’art dans leur environnement. Cette démarche vise à éveiller la curiosité des jeunes, à encourager leur créativité, et à les sensibiliser à l’importance de l’art dans l’espace public.

La Biennale 2025 : Une Nouvelle Édition à Ne Pas Manquer

Depuis sa création, le festival Bien Urbain a vu la réalisation de 422 œuvres par 162 artistes et collectifs issus de 25 nationalités. Ces œuvres, disséminées entre Besançon, Osselle et Saint-Vit, ont contribué à renforcer l’identité culturelle de la région. Alors que le festival est devenu une biennale, la prochaine édition est prévue pour juin 2025. Cet événement promet d’être une nouvelle fois un moment fort de rencontre entre l’art et le public, avec des œuvres qui continueront à surprendre, questionner et émouvoir.

Conclusion

Juste Ici est bien plus qu’une simple association ; c’est un moteur de transformation urbaine et sociale. Grâce à son engagement dans la création artistique en espace public, elle redonne vie à des quartiers entiers, tout en offrant aux habitants et aux visiteurs une nouvelle manière de percevoir la ville. Le festival Bien Urbain, véritable vitrine de cet engagement, est un rendez-vous incontournable pour tous ceux qui souhaitent explorer la richesse de l’art contemporain dans un cadre accessible et ouvert à tous. En attendant la prochaine édition en 2025, Besançon continue de vibrer au rythme des créations passées, présentes et futures.

En 2020, en tant qu’étudiant à l’ISBA, Institut supérieur des beaux-arts de Besançon, j’ai eu l’opportunité unique de participer à un « Atelier Recherche Création » au Musée de la Résistance et de la Déportation de Besançon avant sa rénovation. Sous la direction de mes professeurs de dessin et d’histoire de l’art, ce projet de recherche m’a profondément touché, en particulier les portraits et les photos des prisonniers, leurs dessins et les objets qu’ils utilisaient.

Une Connexion Émotionnelle avec la Guerre

Bien que je n’aie pas de lien direct avec la Première ou la Seconde Guerre Mondiale en tant que Bangladais, ma connexion émotionnelle profonde avec la guerre provient de l’histoire de mon pays. La lutte pour l’indépendance du sous-continent indien et la guerre de libération du Bangladesh contre le Pakistan ont toujours fait partie intégrante de mon éducation. En grandissant, j’étais immergé dans des histoires de résilience et de survie, façonnant ma compréhension de l’esprit humain en temps de conflit.

Représentation Artistique : Portraits sur Pierres

Inspiré par les images poignantes des prisonniers, j’ai cherché à représenter leurs visages et leurs histoires à travers un médium unique. À mon école d’art, j’ai trouvé des pierres de différentes formes et tailles, que j’ai décidé d’utiliser comme toiles. Dessiner des portraits et des images sur ces pierres est devenu un acte symbolique, représentant à la fois le poids de l’histoire et la résilience de l’esprit humain.

Création de Faux Rochers avec du Papier Mâché

En plus d’utiliser des pierres réelles, j’ai expérimenté le papier mâché pour créer de faux rochers. Ce choix était symbolique, car les pierres sont souvent les objets les plus simples et les plus courants utilisés pour se défendre en l’absence d’armes. Ces faux rochers m’ont permis d’élargir ma toile et d’explorer différentes textures et formes, ajoutant de la profondeur à mon expression artistique.

Installations Symboliques

J’ai présenté ces portraits sur pierres sous différentes formes pour transmettre des significations plus profondes. Une installation présentait les pierres aux côtés de bateaux en papier (origami), symbolisant la situation des immigrants et des réfugiés. Une autre incluait un petit tapis de prière, représentant les sentiments et la résilience spirituelle des prisonniers. Ces installations visaient à évoquer un sentiment d’empathie et de réflexion chez les spectateurs, reliant le passé au présent.

L’Impact de la COVID-19

Bien qu’il ait été prévu d’organiser une exposition au Musée de la Résistance et de la Déportation de Besançon, la pandémie de COVID-19 a malheureusement entraîné son annulation. Malgré ce contretemps, l’expérience a été incroyablement significative et transformative pour moi. Elle m’a permis de plonger profondément dans les histoires de ceux qui ont souffert et survécu pendant la guerre, et de canaliser ces émotions dans mon art.

Une Expérience Émouvante

Le projet au Musée de la Résistance et de la Déportation a été plus qu’un simple exercice académique ; ce fut un voyage émouvant dans la vie de personnes qui ont enduré des épreuves inimaginables. À travers mon art, j’ai cherché à honorer leur mémoire et à donner vie à leurs histoires d’une manière qui résonne avec les audiences contemporaines. Cette expérience a renforcé ma conviction dans le pouvoir de l’art à combler les fossés historiques et à favoriser une compréhension plus profonde des expériences humaines.

Conclusion

Explorer l’art inspiré par les prisonniers de la Seconde Guerre Mondiale a été un parcours profond et émotionnel pour moi. En tant qu’artiste, cela m’a offert l’opportunité de me connecter avec le passé et de réfléchir aux thèmes universels de résilience, de survie et d’espoir. Le processus de création de ces œuvres, malgré les défis posés par la pandémie, a été un témoignage de la puissance durable de la créativité et de l’esprit humain.

Je vous invite à explorer ces œuvres et à réfléchir aux histoires qu’elles racontent. À travers ce projet, j’espère contribuer à une compréhension plus large de la condition humaine et de l’impact durable de l’histoire sur notre présent et notre avenir.

L’un de mes films préférés du Bangladesh, Matir Moina (L’Oiseau d’Argile), réalisé par Tareque Masud, a laissé une empreinte profonde sur moi pendant mes années d’études à l’École des Beaux-Arts ISBA à Besançon. Lorsque notre cours de peinture nous a demandé de créer une œuvre inspirée d’un film, j’ai immédiatement choisi Matir Moina. Le contexte historique du film, les dynamiques familiales et les luttes personnelles dépeintes ont résonné en moi, influençant une série d‘œuvres uniques.

Le Film Matir Moina : Une Narration Touchante

Matir Moina est un drame de guerre bengali de 2002 qui décrit magnifiquement la vie d’une famille pendant la période turbulente précédant la guerre de libération du Bangladesh. Le film capture l’essence des conflits culturels et religieux à travers les yeux d’un jeune garçon, Anu. Ses expériences à la madrasa, ses interactions avec sa famille et les bouleversements sociopolitiques de l’époque forment le cœur de la narration. La capacité du film à transmettre de tels thèmes profonds m’a inspiré à explorer ces émotions et histoires à travers mon art.

Interprétation Artistique : Donner Vie au Film

Pour mon projet, j’ai décidé de recréer l’essence du film en utilisant des techniques mixtes. J’ai imprimé des images en noir et blanc de Matir Moina et les ai juxtaposées sur des pièces métalliques rouillées et d’autres objets trouvés. Ce choix de matériaux était intentionnel, reflétant la dégradation et les bouleversements vécus par les personnages. Le métal rouillé symbolisait l’érosion de la stabilité et les dures réalités auxquelles la famille était confrontée.

Œuvres Miniatures en Techniques Mixtes

Ma série de travaux miniatures capture les moments intimes et fragiles du film. Chaque pièce représente différents aspects de la vie de la famille pendant la guerre, mettant en lumière leurs dilemmes et les décisions qu’ils ont dû prendre. L’utilisation de techniques mixtes m’a permis de créer des textures et des profondeurs superposées, reflétant les émotions et situations complexes dépeintes dans le film.

L’Héritage de Tareque Masud

Tareque Masud, un réalisateur, scénariste et producteur bangladais acclamé, a laissé une marque indélébile dans le monde du cinéma avec Matir Moina. Le film a remporté une reconnaissance internationale, dont le Prix FIPRESCI au Festival de Cannes en 2002, et a été le premier film bangladais à concourir pour l’Oscar du meilleur film en langue étrangère. La capacité de Masud à raconter des histoires captivantes à travers ses films a été une influence significative sur mon parcours artistique.

Représentation Thématique dans l’Art

Dans mes œuvres, j’ai cherché à représenter les thèmes centraux de Matir Moina : la lutte pour l’identité, le conflit entre tradition et modernité, et l’impact de la guerre sur une famille. Les images que j’ai choisies pour travailler dépeignent des moments critiques du film, tels que le temps d’Anu à la madrasa, les conflits internes de la famille et les troubles sociopolitiques plus larges. En collant ces images sur des objets trouvés, j’ai cherché à créer un lien tangible entre le passé et le présent, rappelant aux spectateurs la pertinence continue de ces questions.

Un Hommage à un Chef-d’œuvre

Créer de l’art inspiré par Matir Moina a été un processus profondément personnel et réflexif pour moi. La représentation par le film de la diversité culturelle, du libéralisme religieux et de la résilience de l’esprit humain est universelle et intemporelle. À travers mon travail, j’espère rendre hommage à l’héritage de Tareque Masud et attirer l’attention sur la puissante narration de Matir Moina.

Conclusion

Matir Moina n’est pas seulement un film ; c’est une réflexion poignante sur une période historique significative et les histoires personnelles qui s’y rattachent. Ma série de travaux miniatures en techniques mixtes vise à capturer l’essence de ce chef-d’œuvre, offrant une narration visuelle qui complète la narration cinématographique de Masud. À travers ce projet, j’aspire à me connecter émotionnellement avec les spectateurs, partageant l’impact du film et sa pertinence face aux enjeux contemporains.

En tant qu’artiste, trouver l’inspiration dans une œuvre cinématographique aussi profonde a été une expérience enrichissante. Je vous invite à explorer mon travail et les couches complexes d’histoire, d’émotion et d’art qu’il incarne, toutes inspirées par le remarquable film Matir Moina.

Chanson des feuilles mortes

Date de création : Septembre 2014

Dimensions : 105 cm x 90 cm

Technique(s) utilisée(s) : Peinture à l’huile et acrylique sur toile

Satisfaction de la beauté paroissiale et splendeur naturelle est la mélodie centrale de cette œuvre d’art. Femme et nature sont enchaînées ensemble, émergeant de la nature, s’élevant ici, vivant sous son abri et disparaissant en son sein. Parfois, les femmes sont fraîches comme les arbres, fertiles comme la terre, magnifiques comme les fleurs, immenses comme le ciel. Cela illustre leur lien profond avec la nature. La relation entre la femme et la nature, se blottir dans le giron de la nature, est l’inspiration de cette création artistique.

Cette œuvre représente deux amies dansant au début du printemps. Les couleurs vives et les motifs sont conçus pour capturer l’essence de la joie printanière et des fleurs, en imaginant une musique émanant du murmure des feuilles. L’œuvre s’inscrit dans le contexte culturel du Bangladesh, s’inspirant à la fois de l’impressionnisme et des peintures de Georges Seurat.

La vierge en fleur

Date de création : Novembre 2015

Dimensions : 90 cm x 60 cm

Technique(s) utilisée(s) : Peinture acrylique sur toile

Cette œuvre représente une femme entourée de fleurs, peinte dans un style occidental. L’inspiration pour cette peinture provient d’une histoire de mon enfance, racontée par ma grand-mère, sur deux sœurs vivant autrefois dans notre village. L’une des sœurs, nommée « Phool Kumari », m’a particulièrement marquée par son nom et sa personnalité, et c’est elle qui a inspiré cette œuvre.

Les femmes sont la source de suprématie et les régulatrices du monde dans les sagas. Elles sont le symbole de la bienveillance et de la générosité, tout en étant des déesses de la perfection, mais peuvent également devenir des destructrices en cas de besoin.

Des regards numériques

Date de création : Novembre 2020

Dimensions : 10 cm x 7 cm

Technique(s) utilisée(s) : aquarelle sur papier

Cette œuvre représente une femme bangladaise en train de jeter un coup d’œil sur les réseaux sociaux. L’inspiration pour cette peinture m’est venue d’un dessin de l’artiste bangladais célèbre Kamrul Hasan. Pendant la pandémie de COVID, nous étions isolés les uns des autres, et les réseaux sociaux étaient le seul moyen de surveiller la vie des autres. Les couleurs et les détails de l’œuvre visent à refléter l’importance de la connexion virtuelle en période d’isolement.

Portrait d’une femme

Date de création : mai 2022

Dimensions : Diamètre 10 cm

Technique(s) utilisée(s) : Stylo à encre sur bois

Un élément central de ma démarche artistique est le portrait d’une femme sans visage, orné d’une couronne d’épines, dessiné sur le bois d’une boîte de fromage Mont d’Or avec un stylo à encre. Ce matériau inattendu, découvert lors de mon bénévolat à la Croix-Rouge en distribution alimentaire, m’a profondément inspirée. Le nœud cassé de ce bois symbolise les brisures et les contraintes imposées aux femmes.

Un élément central de ma démarche artistique est le portrait d’une femme sans visage, orné d’une couronne d’épines, dessiné sur le bois d’une boîte de fromage Mont d’Or avec un stylo à encre. Ce matériau inattendu, découvert lors de mon bénévolat à la Croix-Rouge en distribution alimentaire, m’a profondément inspirée. Le nœud cassé de ce bois symbolise les brisures et les contraintes imposées aux femmes.
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Cette œuvre interroge les rôles assignés aux femmes dans la société bangladaise. Au Bangladesh, la majorité des femmes sont des femmes au foyer et passent beaucoup de temps à préparer les repas pour leur famille, souvent sans reconnaissance ni respect. Par ce portrait, je souhaite mettre en lumière leur invisibilité et leur contribution sous-estimée.

Couloir du musée des Beaux-Arts de Besançon

Date de création : Juillet 2021
Dimensions : 10 cm x 7 cm
Technique(s) utilisée(s) : Aquarelle sur marbre

Cette œuvre représente le couloir du musée des Beaux-Arts de Besançon, une source d’inspiration marquante lors de ma première visite en France fin mars 2018. Bien que le musée fût en rénovation à l’époque et que je n’aie pas pu y entrer, son architecture m’a profondément intriguée. Après quelques mois, j’ai eu l’occasion de revenir en France et, en novembre 2019, j’ai enfin pu visiter le musée. Cette aquarelle capture l’essence de ce moment tant attendu.

Les Poupées

Date de création : Décembre 2020
Dimensions : 300 cm x 50 cm x 250 cm
Technique(s) utilisée(s) : Argile

Cette œuvre est une installation composée de poupées en argile, inspirées des poupées traditionnelles du Bangladesh. Mes poupées sans tête reflètent la pression sociale exercée sur les femmes pour qu’elles incarnent l’idéal de la femme soumise et sans volonté propre. Pour recevoir des compliments en tant que femme idéale et gentille, il est souvent attendu de ne pas avoir de pensées personnelles et d’être contrôlée par quelqu’un d’autre. En revanche, si une femme tente de protester ou de prendre ses propres décisions, elle est souvent qualifiée de désobéissante.

Parmi ces poupées, une seule possède une tête, mais elle est sans visage et porte une couronne d’épines. Cela symbolise le fait que, pour prendre ses propres décisions et agir selon ses propres désirs, une femme doit être prête à souffrir, à être insultée par les autres, et à assumer la responsabilité de se protéger elle-même.
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Bijoux de Défense

Date de création : Décembre 2021
Dimensions : 10 cm x 150 cm x 5 cm
Technique(s) utilisée(s) : Techniques mixtes

Cette œuvre représente une collection de bijoux conçus à partir de vis, épingles, clous, canettes et céramiques. Ces matières brutes et tranchantes bouleversent l’idée traditionnelle du bijou comme simple accessoire de beauté pour en faire un outil de défense. Ces bijoux ne sont pas seulement décoratifs, mais fonctionnent comme une véritable armure. À travers ce travail, je propose que les bijoux ne soient pas uniquement des ornements, mais aussi des instruments de protection, offrant une sécurité mentale et physique aux femmes.
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Fusion Architecturale

Date de création : Mai 2024
Dimensions : 60 cm x 180 cm
Technique(s) utilisée(s) : Techniques mixtes

Cette œuvre représente un collage panoramique de la ville de Rennes. En me baladant dans le centre-ville, j’ai pris des photos de l’architecture, en particulier des bâtiments à colombages. J’ai ensuite imprimé ces photos, découpé les parties qui m’intéressaient et les ai collées avec des éléments de bâtiments modernes. Certaines parties ont été dessinées à la main pour créer une composition unique. J’ai également utilisé de la peinture aquarelle sur les photos, fusionnant ainsi les différents styles architecturaux pour capturer l’essence dynamique et historique de Rennes.

MÈRE AVEC SON ENFANT

Date de création : Mai 2024

Dimensions : 20 cm x 20 cm

Technique(s) utilisée(s) : Peinture acrylique

Cette œuvre représente une mère avec son enfant, peinte dans un style indien. Les couleurs vives et les motifs traditionnels visent à capturer l’essence de la relation maternelle dans le contexte culturel de l’Inde.
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Autoportrait

Date de création : Mars 2021
Dimensions : 20 cm x 15 cm
Technique(s) utilisée(s) : Aquatinte

Cette œuvre représente un autoportrait inspiré par la célèbre peinture « La Jeune Fille à la perle » de Vermeer. Utilisant la technique de l’aquatinte, j’ai cherché à capturer la lumière, l’expression et la sérénité qui caractérisent l’œuvre originale, tout en y intégrant des éléments personnels pour refléter mon propre regard et ma personnalité.

Jeux d’enfance

Date de création : Mars 2015
Dimensions : 90 cm x 55 cm
Technique(s) utilisée(s) : Peinture à l’huile et acrylique sur toile

Les souvenirs d’enfance sont des trésors précieux pour chaque individu. Les poupées en argile artisanales, les voitures, les jouets et bien d’autres choses encore symbolisent cette période de la vie. Ils me rappellent ces jours dorés.

Dans cette œuvre, la présence de paysages naturels désigne l’environnement rural où j’ai grandi, plongé dans la beauté de la nature. J’ai utilisé des motifs de Jamdani Sari sur la nappe, un textile traditionnel et éminent au Bangladesh, représentant la prospérité de la culture bengalie. Les petites empreintes de pas évoquent la nostalgie et le désir de retrouver ces jours dorés.

Nature morte

Date de création : Mai 2015
Dimensions : 60 cm x 90 cm
Technique(s) utilisée(s) : Peinture acrylique sur toile

Cette nature morte présente une poupée traditionnelle du Bangladesh, vêtue d’une robe occidentale ornée de motifs Jamdani, un textile traditionnel et éminent au Bangladesh. Dans mon travail, je mélange les cultures, car ayant grandi au Bangladesh, mon pays d’origine, je vis maintenant en France. Je m’adapte à la culture européenne tout en préservant mon originalité.

Chansons des feuilles mortes II

Date de création : Juin 2015
Dimensions : 90 cm x 75 cm
Technique(s) utilisée(s) : Peinture acrylique sur toile

Cette nature morte représente divers objets symbolisant l’évasion du tumulte urbain, du vacarme et de la vie monotone. Mon œuvre exprime l’aspiration à retourner dans un environnement rural naturel, riche en verdure. C’est le thème central de mon art.

Autoportrait

Date de création : Mars 2014
Dimensions : 60 cm x 45 cm
Technique(s) utilisée(s) : Peinture à l’huile et acrylique sur toile

J’ai réalisé mon autoportrait, me représentant comme une indigène indienne. Cette œuvre reflète les diverses pensées qui hantent constamment mon esprit et mon désir de retourner à une société primitive dépourvue de complexité. Sous l’emprise de la modernité urbaine, nous oublions notre propre existence.

Rêve

Date de création : Décembre 2015
Dimensions : 228.6 cm x 304.8 cm
Technique(s) utilisée(s) : Peinture Acrylique sur tissus, toile et sable

Depuis l’aube des temps, nous conceptualisons une sorte de reflet de nos pensées, émotions, souhaits et expériences. Cette même technique a été appliquée à mon œuvre. Les rêves nous inspirent à libérer notre imagination et à réfléchir sur nos passions, peurs et désirs.

L’océan est un symbole féminin qui nous connecte à notre nature divine féminine. Associée à la compassion, à la créativité et à l’intuition, l’eau nous rappelle que nous sommes tous connectés énergétiquement et par l’eau elle-même.

Rêver de l’océan nous invite à entrer en contact avec notre moi profond et à nous connecter à notre véritable nature.

Nature morte

Date de création : Décembre 2013
Dimensions : 30.48 cm x 25.4 cm
Technique(s) utilisée(s) : Gravure (wood cut)

Nature morte

Date de création : Décembre 2013
Dimensions : 25.4 cm x 35.56 cm
Technique(s) utilisée(s) : Collage

Lors de ma première visite à Rennes, les bâtiments à colombages m’ont immédiatement captivée. Incarnation parfaite de la fusion entre tradition et modernité, ces édifices sont très différents de ce que je connais dans mon pays, le Bangladesh. Très décorés et très colorés, ils m’ont particulièrement plu, offrant un contraste saisissant avec l’architecture moderne que l’on trouve également dans la ville.

En tant qu’étudiante à l’Université Rennes 2, j’ai eu l’occasion de m’impliquer dans plusieurs activités en parallèle de mes études. Par exemple, je suis bénévole pour l’AFEV, une association qui accompagne les enfants et les adolescents dans diverses activités pour découvrir la ville. Je participe également au Buddy système, un programme qui permet de rencontrer des étudiants français et étrangers pour découvrir leur culture et faire des activités sportives et des visites ensemble.

J’ai aussi pris part à l’activité “Mix ta fourchette” qui permet d’explorer les cuisines de différentes cultures. J’ai participé à cette activité deux fois avec des étudiants Erasmus, ce qui m’a procuré beaucoup de plaisir en goûtant la cuisine de différents pays et en partageant la cuisine de mon propre pays.

La préservation du patrimoine: Tradition et Modernité

Je trouve que Rennes est une fusion d’architecture ancienne et moderne, ce qui permet de découvrir à la fois l’histoire et le mode de vie contemporain. Personnellement, j’apprécie beaucoup l’architecture ancienne, mais je trouve que les bâtiments modernes sont plus pratiques à vivre. Cependant, il manque parfois de couleurs et de joie dans ces structures modernes.

J’ai une sensibilité particulière pour l’architecture car au Bangladesh, j’ai grandi dans une maison en terre crue, mais ma famille a décidé de la démolir pour construire une nouvelle maison en briques de terre cuite. Au Bangladesh, un pays très peuplé, les gens préfèrent les grands bâtiments modernes, ce qui entraîne la perte de notre héritage architectural. Cela me rend triste de voir disparaître ce patrimoine. Je pense qu’il est important de s’adapter et d’accepter les changements tout en préservant nos traditions et en trouvant l’inspiration pour l’avenir.

Un collage artistique entre passé et présent

Cette année, avec l’Université Rennes 2, j’ai participé à un atelier intitulé « Projet Vacéer » de création artistique et engagement étudiant dans un espace public. Au début, j’étais un peu perdue en cherchant le lien entre mon engagement étudiant et l’espace public. J’ai commencé à dessiner différentes idées en m’inspirant de mon intérêt pour l’architecture. J’ai pris des photos de l’architecture en me baladant dans le centre-ville, en particulier des bâtiments à colombages.

J’ai imprimé les photos, découpé les parties qui m’intéressaient, et collé ces morceaux de bâtiments à colombages avec des éléments de bâtiments modernes. J’ai dessiné certaines parties à la main pour créer une composition unique. J’ai utilisé de la peinture aquarelle sur les photos, créant ainsi un collage panoramique de la ville de Rennes.

L’utilisation de la photographie et de l’impression est une technique moderne, tandis que le dessin et l’aquarelle sont des techniques anciennes. Ce mélange de techniques est essentiel pour mon œuvre car il reflète la fusion de l’architecture ancienne et contemporaine. Cette démarche trouve une résonance profonde avec ma vie, ma passion artistique et mon engagement étudiant en France. Elle souligne également l’importance de la culture, des changements culturels entre le Bangladesh et la France, ainsi que l’évolution entre les époques ancienne et moderne.

Le processus de création de ce collage panoramique a été pour moi une véritable exploration artistique. En superposant les photos des bâtiments à colombages et modernes de Rennes, j’ai pu capturer l’essence de la ville qui marie harmonieusement tradition et modernité. La technique de collage, combinée à l’aquarelle, permet non seulement de créer une esthétique visuellement plaisante mais aussi de raconter une histoire. Chaque coup de pinceau, chaque découpe et collage de photo symbolisent la façon dont les éléments de différentes époques peuvent coexister et enrichir notre environnement.

Réflexion sur l’évolution architecturale à travers l’art

Ce projet artistique m’a permis de réfléchir à l’importance de préserver notre patrimoine tout en embrassant l’innovation et le progrès. Les bâtiments à colombages de Rennes me rappellent les structures anciennes de mon pays, tandis que les bâtiments modernes symbolisent le futur. En combinant ces éléments, j’ai pu créer une œuvre qui célèbre cette dualité et met en lumière la nécessité de trouver un équilibre entre passé et présent.

En conclusion, mon expérience à Rennes et à l’Université Rennes 2 m’a offert une occasion précieuse de m’exprimer artistiquement tout en engageant avec la communauté locale. Le projet « Projet Vacéer » m’a aidée à mieux comprendre comment mon engagement étudiant pouvait se traduire dans un contexte public et artistique. À travers ce collage panoramique, j’ai non seulement exploré les richesses architecturales de Rennes mais j’ai aussi découvert un moyen de connecter mes racines culturelles avec ma vie en France. Cette expérience a renforcé mon désir de continuer à créer des œuvres qui célèbrent la diversité et l’évolution culturelle tout en honorant les traditions qui façonnent notre identité.

Je suis originaire du Bangladesh, où j’ai vécu pendant 26 ans, principalement dans un village au sein d’une grande famille. Dès mon plus jeune âge, j’ai observé avec fascination les objets, les matériaux, les façons de s’habiller, l’architecture et les modes de vie qui m’entouraient. Ces premières impressions ont profondément influencé ma sensibilité artistique et culturelle.

La Découverte de la France et ses Contrastes Culturels

Mon arrivée en France m’a conduit à réfléchir aux différentes manières de construire et d’habiter entre cultures distinctes. Par exemple, le marbre et les vitrail que j’ai découverts ici en France sont absents au Bangladesh, où la terre est souvent utilisée pour les constructions. Je garde un souvenir précieux de la maison de mon enfance, construite en terre. Juste avant mon départ pour la France, ma famille a décidé de la reconstruire en briques. Ces différences culturelles me fascinent, particulièrement en observant l’architecture. La première chose qui m’a beaucoup intéressée en Europe est l’architecture, influencée par ma maison de village en terre où j’ai passé toute mon enfance.

L’Architecture du Bangladesh : Un Héritage Riche et Fragile

L’architecture du Bangladesh est riche, comme en témoigne le temple de Kantaji à Dinajpur, une structure importante fabriquée en terre cuite. La porte est une partie cruciale de l’architecture, symbolisant l’entrée et la sortie. Une anecdote de ma vie me lie à cette porte : en 2017, lors d’une visite de Chittagong (sud du Bangladesh) à Thakurgong, j’ai tenté de visiter le temple de Kantaji situé à 574 km au nord. Malheureusement, l’entrée était interdite à cause de l’état dégradé du temple et de la fragilité de la terre cuite face à l’humidité. J’étais triste et j’ai pensé que le temple aurait été plus résistant s’il avait été construit en marbre ou en un matériau plus solide.

L’Influence de la France sur Mon Art

Par la suite, j’ai trouvé des morceaux de marbre cassé à côté de l’atelier de peinture à l’ISBA sur lesquels j’ai dessiné avec de l’aquarelle et des marqueurs, influencée par la peinture miniature mughal et persane. Ces œuvres m’ont rappelé ma maison du village et ont enrichi ma démarche artistique en intégrant des matériaux que je découvrais en France.

Mon Parcours en France : De la Découverte à l’Inspiration

Ma première visite en France a eu lieu fin mars 2018. J’ai passé deux mois à Besançon et le bâtiment du musée des Beaux-Arts de Besançon m’a particulièrement intéressée, bien qu’il fût en rénovation et que je n’aie pas pu y entrer. Heureusement, après quelques mois, j’ai eu l’occasion de revenir en France. En novembre 2019, j’ai eu la chance de visiter enfin le musée.

Ce voyage, de mon village au musée, m’a permis de voir et d’apprécier les diverses formes et matériaux de l’architecture, enrichissant ma compréhension et mon appréciation des cultures variées à travers le monde. J’ai une sensibilité particulière pour l’architecture car au Bangladesh, j’ai grandi dans une maison en terre crue, mais ma famille a décidé de la démolir pour construire une nouvelle maison en briques de terre cuite.

L’Évolution Architecturale et la Perte de l’Héritage

Au Bangladesh, un pays très peuplé, les gens préfèrent les grands bâtiments modernes, ce qui entraîne la perte de notre héritage architectural. Cette transformation rapide et parfois brutale des paysages et des modes de vie traditionnels me pousse à intégrer ces réflexions dans mon art. En France, j’ai découvert non seulement des matériaux nouveaux, mais aussi une nouvelle manière d’appréhender l’espace et la mémoire culturelle.

Célébrer et Préserver les Héritages Culturels

À travers mes œuvres, je cherche à célébrer et à préserver les héritages culturels tout en explorant les interactions entre différentes cultures. Mon art devient un pont entre le passé et le présent, entre le Bangladesh et la France, permettant de questionner et de valoriser les richesses et les fragilités de nos patrimoines respectifs.

En enrichissant ma pratique artistique de ces expériences, je souhaite offrir une nouvelle perspective sur la résilience et la beauté des traditions architecturales tout en encourageant un dialogue interculturel respectueux et inspirant.